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echa un vistazo a las imágenes de abajo. En la imagen de la izquierda, observe cómo el pájaro está colocado demasiado cerca del borde del plano de la imagen. El borde de la rama en la parte superior también está demasiado cerca del lado izquierdo del plano de la imagen.

en la segunda imagen, hay suficiente espacio proporcionado a ambos lados del plano de la imagen para proporcionar un poco de equilibrio que resulta en una mejor composición.,

si colocamos los sujetos en nuestras obras de manera que sus bordes terminen un poco más lejos de los bordes del plano de la imagen o se extiendan mucho más allá de los confines del plano de la imagen, entonces este peso visual se minimiza.

también Debemos considerar cada uno de los bordes del plano de la imagen. Si tenemos elementos que se extienden fuera del plano de la imagen en dos lados, podemos crear demasiado peso visual en esos dos lados. Pero, si permitimos que los sujetos se extiendan fuera del plano de la imagen en los cuatro lados, podemos crear una composición más equilibrada.,

movimiento

El movimiento puede referirse a la ilusión de movimiento real en un dibujo o pintura; o puede referirse al movimiento que el ojo de un espectador toma al experimentar su arte. En cuanto a la composición, Estamos muy preocupados por esta última.

Cuando un espectador interactúa con tu arte, sus ojos se mueven de un elemento al siguiente. Por lo general, el elemento más dominante exige atención inmediata. Después de eso, el espectador puede pasar a otros elementos de apoyo dentro de la escena.

como artistas, podemos controlar este «movimiento ocular» basado en cómo planeamos nuestra composición., Podemos guiar al espectador a los elementos más importantes y muchas veces, controlar cómo la mayoría de la gente «ingerirá» nuestra creación. En la mayoría de los casos, queremos que el ojo del espectador fluya a través de la obra en un cierto oder.

dependiendo del tema, el orden puede verse algo como esto

1. El espectador se dibuja en la obra.
2. El espectador es guiado al(Los) punto (s) focal (es).
3. El espectador es guiado a los elementos de soporte.
4. El espectador es guiado fuera de la obra o de vuelta al punto focal.,

Este movimiento visual generalmente se logra creando contraste, líneas guía, diagonales y elementos superpuestos.

echa un vistazo al trabajo a continuación. Cuando lo examines, toma nota de cómo se mueven tus ojos a través del trabajo.

quizás su ojo siguió una ruta similar a la mía. Entré en la obra en el fondo del valle, cerca del arroyo. Fui guiado por la línea de árboles más oscuros al centro del espacio pictórico, luego de vuelta al bosque., Luego seguí la línea de árboles, justo en frente de las montañas lejanas. Desde allí, fui guiado de regreso al centro.

el posicionamiento de estos elementos me permitió ver todas las partes importantes dentro de la obra, mientras apreciaba cada sección de la pintura por sí sola.

Podemos utilizar las mismas técnicas para tener un poco de control sobre cómo un espectador interactúa con nuestro arte. Aunque no podemos controlar completamente cómo la gente verá nuestro arte, podemos tener cierta influencia sobre su experiencia visual.,

ritmo

entendemos el ritmo a través de la repetición. Por ejemplo, podemos escuchar el ritmo de una canción y su ritmo porque se repite – muchas veces de manera predecible. Sin repetición, no hay ritmo.

en el arte, lo mismo es cierto. Debemos tener repetición para tener ritmo. Visualmente, el ritmo se crea mediante la repetición de elementos. Esto podría ser un patrón regular o irregular de formas repetitivas o podría ser una repetición de un tema específico. De cualquier manera, la repetición de elementos produce un ritmo.

echa un vistazo a la pintura de abajo. Observe cómo tiene un sentido del ritmo.,

Este ritmo se crea a través de la repetición. Aquí podemos ver cómo las formas creadas para las hojas de las flores se repiten…

Y también las formas de las flores más pequeñas en la esquina superior izquierda…

Las formas creadas por el iris no son diferentes. También repiten

un elemento repetitivo dentro de una obra a menudo se conoce como un»motivo»., Incluir un motivo en su trabajo a menudo puede conducir a un sentido de armonía y unidad.

volvamos a la analogía musical. Las canciones más populares cuentan con un ritmo constante a lo largo de la canción. La dinámica de la canción puede cambiar, pero el compás rara vez lo hace. Y aunque las notas pueden cambiar drásticamente, el ritmo constante unifica la canción de principio a fin.

nuestras obras de arte deben tener esta consistencia, lo que nos lleva a los siguientes principios: armonía y unidad.

armonía y unidad

nuestras composiciones artísticas también deben ser armoniosas y unificadas., La armonía y la unidad están tan estrechamente relacionadas que es fácil asumir que son la misma cosa. Son muy similares, pero cada uno debe considerarse por separado en nuestras composiciones.

La unidad trata con un sentimiento de «unidad». Esto generalmente se logra en una obra de arte mediante el uso del medio de una manera consistente y hasta un nivel de finalización. También podemos pensar en la unidad en términos de estilo artístico. Si el estilo y el uso de los medios se utilizan constantemente en una obra y la obra se siente completa y terminada, generalmente podemos decir que la obra está unificada.,

Unity también se puede crear en una obra a través de la simplificación. Esto se puede lograr simplificando formas, temas o esquemas de color.

el trabajo a continuación está unificado y armonioso por una serie de razones. La forma más obvia de unificarlo es a través del uso del color.

Harris ha simplificado el esquema de color y utilizado principalmente los colores complementarios de rojo y verde. El verde es muy terroso, pero todavía presente.,

Harmony ayuda a crear unidad en una obra. Mientras que la unidad se ocupa de la obra de arte como un todo, la armonía se ocupa más de las partes individuales de la obra. Si las partes individuales de la pieza trabajan todas juntas, entonces el arte podría considerarse armonioso.

Otra forma de pensar en esto es considerar una familia. Una familia está formada por diferentes miembros. Veamos una familia en un sentido tradicional para esta analogía. Una familia puede tener un padre, una madre, un hijo y una hija., Cada miembro de la familia es diferente y es su propia persona única, pero la familia sigue siendo una unidad. Algunas familias se llevan bien unas con otras, mientras que otras no.

podemos crear armonía y unidad en nuestras composiciones Using

• utilizando el medio de una manera consistente a lo largo del trabajo.
• simplificando formas, temas o esquemas de color.
• usando un estilo consistente a lo largo del trabajo.
• asegurarse de que el trabajo aparece terminado.
• asegurarse de que cada parte individual de la pieza funciona (y tiene sentido) con las otras partes.,

énfasis

a menudo usamos énfasis para definir el punto o puntos focales dentro de una composición. Ya hemos discutido varias formas en que un artista puede crear un punto focal dentro de una obra. Cada uno de estos métodos se basa en el énfasis para su éxito. El énfasis generalmente se crea en una obra a través de alguna forma de contraste.

echa un vistazo al trabajo a continuación. ¿Qué crees que se enfatiza?

la Mayoría de nosotros se dibujan a la mujer en la escena, más específicamente a su cara., Degas nos ha llamado la atención usando varios métodos. Para empezar, está ubicada en el plano de la imagen. También hay un fuerte contraste de valor alrededor de ella. Observe cómo el hombre a su lado está vestido de negro, mientras que ella viste de blanco. Incluso hay una sombra oscura en la pared justo al lado de su rostro claro.

luego están las líneas de convergencia creadas por las mesas y el borde posterior del Banco.

también notarás que la cara de la mujer tiene más detalles en comparación con los otros elementos dentro de la escena. Esto también ayuda a tirar del ojo del espectador.,

todas estas características ayudan a influir en cómo interactuamos con el sujeto.

variedad

Al igual que el énfasis, la variedad también se ocupa de la diferencia. Nuestros dibujos y pinturas deben incluir alguna variedad.

considere su comida favorita por un momento. Ahora considere cómo sería la vida si tuviera que comer su comida favorita para cada comida por el resto de su vida. Para el desayuno, el almuerzo y la cena, tiene su comida favorita y nada más. Puede ser genial el primer día, pero después de eso, te cansarás mucho de tu comida favorita.,

podemos pensar en nuestras obras de la misma manera. No queremos aburrir a nuestros espectadores con la misma información visual. En su lugar, debemos incluir alguna variedad para mantenerlos comprometidos y hacer que nuestras obras de arte sean más interesantes.

el truco aquí es equilibrar la armonía y la variedad. Si llevamos la variedad demasiado lejos, el trabajo probablemente no será armonioso. Si llevamos la armonía demasiado lejos, el trabajo puede carecer de variedad.

echa un vistazo a la imagen de abajo., Observe cuánta variedad está presente

Kandinsky ha creado variedad utilizando una amplia gama de colores, pero mantuvo la pintura unificada a través de la simplificación.

Espacio Positivo y Negativo

el Espacio es uno de los siete elementos del arte. Cuando pensamos en el espacio, a menudo lo consideramos en términos de profundidad o la ilusión de profundidad en un dibujo o pintura., Sin embargo, cuando se trata de composición, podemos pensar en el espacio en términos del espacio pictórico real en la superficie de dibujo o pintura.

el espacio ocupado por temas importantes o elementos de diseño se considera espacio positivo. Las áreas que rodean estas ubicaciones se consideran espacio negativo. A menudo, es el espacio negativo el que proporciona un área de» descanso » para el espectador.

echa un vistazo a las imágenes de abajo. Primero vemos la imagen original a la izquierda. En la imagen central, el espacio negativo se resalta con rojo., En el tercero, vemos el espacio positivo resaltado con rojo.

espacio Positivo y negativo trabajar juntos para crear la composición. Una composición puede estar compuesta principalmente de espacio positivo, un equilibrio uniforme de los dos, o espacio mayormente negativo.,

en La imagen siguiente se muestra una composición hecha principalmente de espacio positivo…

he Aquí un ejemplo de una composición hecha de partes iguales de espacio positivo y negativo…

Y he aquí uno de los hechos mayormente de espacio negativo…

Cada una de estas composiciones se deriva de la misma materia y cada una podría ser considerado «exitoso».

El uso exitoso del espacio positivo y negativo dentro de una composición depende del equilibrio., Cómo se logre este equilibrio dependerá del sujeto, el uso del medio, el nivel de detalle incluido, el contraste y otros factores visuales.

la mejor manera de crear un equilibrio en una obra y garantizar que el espacio positivo y negativo funcione para el bien de la composición es a través de una planificación cuidadosa.

planificar su composición

La planificación es quizás el aspecto más importante para encontrar el éxito con sus composiciones. Desafortunadamente, es el paso que la mayoría de las personas omiten por completo.

digamos que decides ir de viaje por carretera a un lugar en el que nunca has estado antes., No tendría sentido hacer las maletas, subir al auto y marcharse sin saber cómo llegar a su destino. Es probable que eches un vistazo a un mapa o introduzcas tu destino en tu sistema de navegación. Nunca llegará a su destino sin alguna forma de preparación y orientación.

de la misma manera, debemos planificar nuestras composiciones antes de intentar ejecutarlas. Necesitamos saber «a dónde vamos» con nuestras obras de arte. Debemos planificar el resultado final antes de ponernos a crearlo., Podemos cambiar nuestras ideas a medida que trabajamos si lo deseamos, pero debemos tener una idea general de cómo queremos que se vea el trabajo terminado antes de sumergirnos.

mediante la planificación, podemos resolver todos los puzzles de composición que intervienen en la creación de una pieza de arte Fuerte. Cuando hacemos esto, podemos centrarnos en el proceso real de dibujo y pintura, ya que la mayoría de nuestras decisiones con respecto a la composición ya se han tomado.

en la mayoría de los casos, planificar una composición implica crear pequeños dibujos que carecen de detalles. Estos pequeños dibujos a menudo se llaman miniaturas o bocetos preliminares., Las miniaturas deben ser creadas rápidamente y deben ser abordadas con una actitud de experimentación. Cuantas más miniaturas cree antes de comenzar en la superficie final, mejores serán sus posibilidades de crear una composición exitosa.

Como crear sus miniaturas, estar abierto a probar cosas diferentes. Experimenta con el posicionamiento de los sujetos y con el equilibrio del espacio positivo y negativo. Considere cómo el ojo de un espectador puede moverse a través de la obra. Prueba composiciones verticales y compáralas con las horizontales., Experimenta con diferentes colores. Mantén tu mente abierta.

Muchas veces, tenemos una visión en nuestras mentes de lo que queremos crear y naturalmente asumimos que es esta visión la que tiene más éxito. Sin embargo, en la mayoría de los casos, nuestra visión inicial es solo la «punta del iceberg». Con un poco más de «excavación», nuestra visión original evoluciona hacia algo mucho más exitoso. Esto solo sucede cuando estamos abiertos a la experimentación y nos tomamos el tiempo para planificar.,

La regla de los Tercios

La regla de los tercios es una teoría compositiva que se basa en la colocación de los sujetos dentro de una composición. Se basa en la media dorada, que es una fórmula matemática que se ocupa de las relaciones proporcionales. Dado que la media dorada es bastante compleja, la mayoría de los artistas y fotógrafos confían en la regla de los tercios para crear un efecto similar.

así es como funciona

vamos a tomar una composición y dividirla por tercios, tanto horizontal como verticalmente. Podemos imaginar líneas que corren a lo largo de cada uno de los tercios., Estas líneas se cruzan en cuatro lugares dentro del plano de la imagen. Al colocar temas importantes o puntos focales en o cerca de estos lugares de intersección, creamos una composición más estéticamente exitosa.

observe cómo Guillaumin ha colocado la figura casi directamente en uno de estos puntos.

también podemos crear composiciones más dinámicas e interesantes colocando temas directamente en estas líneas.,

crear diagonales

Las composiciones pueden ser dinámicas o estáticas. Las composiciones estáticas son bastante directas y directas. Una composición estática tiene sentido para una imagen informativa, como una ilustración científica. En contraste, una composición dinámica crea un mayor sentido de la historia e involucra al espectador. En la mayoría de los casos, queremos que nuestras composiciones sean dinámicas.

se pueden crear composiciones dinámicas incorporando diagonales en la obra. Estas diagonales se pueden crear con líneas y formas reales o líneas implícitas., También se pueden utilizar para ayudar a guiar el ojo de un espectador a través del trabajo, como discutimos antes.

busca formas interesantes de incluir diagonales en tu trabajo. Esto puede significar que cambie el ángulo del punto de vista del espectador. En lugar de dibujar o pintar los sujetos desde un punto de vista estándar, considere la vista desde arriba o abajo, o incluso desde un ángulo inclinado.,

los números impares son mejores

cuando componemos nuestras obras, también debemos considerar el número de temas o elementos que incluimos. La mente humana encuentra equilibrio en números impares. El número más óptimo para usar es 3. Esto significa que si estás componiendo un bodegón, lo mejor es usar 3 objetos. Esto no significa que estemos limitados a 3 objetos. Podemos, por supuesto, incluir más si lo deseamos. Pero si incluimos más, los números impares son los mejores.

consideremos una imagen con dos objetos. Con dos objetos, parece haber una especie de competencia visual entre los dos., Es difícil decidir qué tema es el punto focal.

Sin embargo, cuando incluimos un tercero, los otros dos sujetos actúan para enmarcar el tercero, lo que resulta en una composición más equilibrada.

Conclusión

Composición no es «conjeturas». Una gran composición no es el resultado de la suerte y ciertamente no se trata de talento. Se trata de entender cómo un espectador interactuará visualmente con lo que creamos y una planificación cuidadosa.

hemos cubierto bastante aquí. Es mucha información para empaparse., Pero al practicar estos conceptos e incorporarlos a sus obras de arte, gradualmente se volverán intuitivos y sus composiciones mejorarán.