desarrollo temprano en Italia
La sonata en todas sus manifestaciones tiene raíces que se remontan mucho antes de los primeros usos del nombre real. Sus fuentes últimas están en la polifonía Coral (música que tiene varias líneas melódicas o voces iguales) del Renacimiento tardío. Esto a su vez recurrió a veces a fuentes litúrgicas y seculares—en el antiguo sistema de tonos o modos Del Canto Gregoriano, y en la música popular europea medieval. Estas dos líneas se entrelazaban constantemente., Las melodías populares, por ejemplo, se utilizaron como punto de partida para misas y otras composiciones religiosas desde el siglo XV hasta principios del XVII. Los elementos sagrados y seculares influyeron en el desarrollo de la sonata y la partita (o suite) del período barroco.
los procedimientos musicales específicos que eventualmente serían característicos de la sonata comenzaron a emerger claramente en las obras de los compositores venecianos de finales del siglo XVI, en particular Andrea Gabrieli y Giovanni Gabrieli., Estos compositores construyeron piezas instrumentales en secciones cortas de tempo contrastado, un esquema que representa en embrión la división en movimientos de la sonata posterior. Este enfoque se encuentra no solo en obras tituladas «sonata», como la Sonata pian’ e Forte (Sonata suave y fuerte) de Giovanni Gabrieli de 1597, que fue una de las primeras obras en especificar la instrumentación en detalle; la fantasía instrumental y la canzona, una forma instrumental derivada de la chanson o canción secular Francesa, muestran una estructura seccional similar., Al igual que las primeras sonatas, a menudo eran contrapuntísticas (construidas por contrapunto, el entrelazamiento de líneas melódicas en las diferentes voces o partes). En esta etapa, las sonatas, fantasias y canzonas eran a menudo indistinguibles entre sí, y del fuguelike ricercare, aunque esta forma es generalmente más seria en carácter y más estrictamente contrapuntística en técnica.,
en el siglo XVII los instrumentos de cuerda eclipsaban a los vientos, que habían desempeñado al menos un papel igualmente importante en las sonatas y canzonas compuestas por los Gabrielis para las amplias galerías de la Basílica de San Marco, Venecia. Claudio Monteverdi dedicó más de sus energías a la composición vocal que a la instrumental. El desarrollo de la escritura instrumental—y de las formas musicales instrumentales—fue llevado a cabo cada vez más por violinistas virtuosos. Uno de ellos fue Carlo Farina, quien pasó parte de su vida al servicio de la corte de Dresde, y allí publicó una serie de sonatas en 1626., Pero la figura que coronó esta temprana escuela de violinistas-compositores fue Arcangelo Corelli, cuyas sonatas publicadas, a partir de 1681, resumen el trabajo italiano en el campo hasta la fecha.
aparte de su influencia en el desarrollo de la técnica del violín, reflejada en las obras de compositores violinistas posteriores como Giuseppe Torelli, Antonio Vivaldi, Francesco Maria Veracini, Giuseppe Tartini y Pietro Locatelli, las sonatas de Corelli son importantes por la forma en que clarifican y ayudan a definir las dos direcciones que la sonata debía tomar., En este punto, la sonata da chiesa, o sonata de Iglesia, y la Sonata da camera, o sonata de cámara, surgieron como líneas de desarrollo complementarias pero distintas.
La sonata da chiesa generalmente consiste en cuatro movimientos, en el orden lento-rápido-lento-rápido. El primer movimiento rápido tiende a ser vagamente fugaz (usando imitación melódica contrapuntística) en estilo, y por lo tanto refleja, más claramente de los cuatro, las raíces de la sonata en la fantasía y canzona. El último movimiento, por el contrario, es más simple y ligero, a menudo difiere poco del estilo de baile típico de la Sonata da camera., La Sonata da camera es en conjunto menos seria y menos contrapuntística que la sonata da chiesa, y tiende a consistir en un mayor número de movimientos más cortos en el estilo de baile. Si la sonata da chiesa fue la fuente a partir de la cual se desarrolló la sonata Clásica, su primo cortesano fue el antepasado directo de la suite, o partita, una sucesión de piezas de danza cortas; y en el siglo XVIII, los Términos suite y partita eran prácticamente sinónimos de sonata da camera., Las dos corrientes representadas por la iglesia y las sonatas de cámara son la manifestación, en términos del Barroco temprano, de las fuentes litúrgicas y seculares que se encuentran en la música renacentista. El estilo barroco floreció en la música desde aproximadamente 1600 hasta aproximadamente 1750. Hasta mediados del siglo XVIII, las dos influencias mantuvieron un alto grado de independencia; sin embargo, la inyección de movimientos de danza en los ejemplos más ligeros de la sonata da chiesa y la penetración del contrapunto en las suites más serias y la sonate da camera muestran que siempre hubo alguna fertilización cruzada.,
otra característica de la sonata barroca que el trabajo de Corelli ayudó a estabilizar fue su instrumentación. Alrededor de 1600 la revolución musical que comenzó en Italia había cambiado el énfasis de la polifonía de voz igual del Renacimiento y la colocó en su lugar en el concepto de monodia, o líneas solistas con acompañamientos subordinados. La influencia comparativamente estática de los viejos modos de la iglesia fue reemplazada por el principio de organización más dramático del sistema de claves mayor–menor con su uso del contraste de claves., Aunque el contrapunto siguió desempeñando un papel central en la estructura musical durante otros cien años y más, se convirtió en un contrapunto que tuvo en cuenta cuidadosamente las implicaciones de la armonía y de los acordes en el marco de las tonalidades mayores y menores.
en este contexto, el continuo, o bajo completo, asumió una importancia primordial. Los compositores que usaban una parte continua escribían en su totalidad solo las partes de los instrumentos de la melodía superior., El acompañamiento, que era la parte continua, se daba en forma de una línea de bajo, a veces complementada con números, o figuras, para indicar los principales detalles de la armonía, de ahí el término bajo figurado. El continuo era «realizado», o dado su forma interpretada, por un instrumento de melodía baja (viola, el violonchelo Más profundo, o más tarde violonchelo o fagot) en colaboración con un órgano, clavicémbalo o laúd. El instrumento colaborador improvisaba las armonías indicadas por las figuras o implícitas por las otras partes y así llenaba el hueco entre las líneas de agudos y graves.,
en la obra de Corelli, las sonatas» solo», para un violín con continuo, se encuentran junto a otras para dos violines y continuo descrito como sonatas a tre («para tres»). Estas sonatas a tre son ejemplos tempranos de la Sonata trío que fue la principal forma de música de cámara hasta alrededor de 1750. El uso del término trío para sonatas interpretadas por cuatro instrumentos es solo superficialmente paradójico: aunque las sonatas trio fueron interpretadas por cuatro instrumentos, se consideraron en tres partes: dos violines y continuo., Además, la instrumentación específica en este período era en gran medida una cuestión de elección y circunstancia. Las flautas u oboes podían tocar las partes de violín, y si el clavicémbalo o el violonchelo o sus sustitutos no estaban disponibles, la pieza podía tocarse con solo uno de ellos representando el continuo. Pero se prefería un continuo completo.
la importancia de Corelli es tanto histórica como musical. Tal vez debido a que una línea vigorosa de compositores italianos de música de violín lo siguió, comúnmente se le concede el crédito principal por los desarrollos de finales del siglo XVII en el estilo sonata., Pero su innegable contribución vital no debe distraer la atención de la labor igualmente importante que se realizó durante el mismo tiempo fuera de Italia.
