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Dai un’occhiata alle immagini qui sotto. Nell’immagine a sinistra, nota come l’uccello è posizionato troppo vicino al bordo del piano dell’immagine. Anche il bordo del ramo in alto è troppo vicino al lato sinistro del piano dell’immagine.

Nella seconda immagine, c’è abbastanza spazio fornito su entrambi i lati del piano dell’immagine per fornire un po ‘ di equilibrio con conseguente migliore composizione.,

Se posizioniamo i soggetti nelle nostre opere in modo che i loro bordi finiscano un po ‘ più lontano dai bordi del piano dell’immagine o si estendano ben oltre i confini del piano dell’immagine, allora questo peso visivo è ridotto al minimo.

Dovremmo anche considerare ciascuno dei bordi del piano dell’immagine. Se abbiamo elementi che si estendono dal piano dell’immagine su due lati, potremmo creare troppo peso visivo su questi due lati. Ma, se permettiamo ai soggetti di estendersi dal piano dell’immagine su tutti e quattro i lati, possiamo creare una composizione più equilibrata.,

Movimento

Il movimento può riferirsi all’illusione del movimento reale in un disegno o in un dipinto; o può riferirsi al movimento che l’occhio di uno spettatore prende quando sperimenta la tua arte. In termini di composizione, siamo più preoccupati di quest’ultimo.

Quando uno spettatore interagisce con la tua arte, i loro occhi si spostano da un elemento all’altro. Di solito l’elemento più imponente richiede un’attenzione immediata. Successivamente, lo spettatore può passare ad altri elementi di supporto all’interno della scena.

Come artisti, possiamo controllare questo “movimento degli occhi” in base a come pianifichiamo la nostra composizione., Possiamo guidare lo spettatore agli elementi più importanti e molte volte, controllare come la maggior parte delle persone “ingerirà” la nostra creazione. Nella maggior parte dei casi, vogliamo che l’occhio dello spettatore fluisca attraverso il lavoro in un certo oder.

A seconda del soggetto, l’ordine può essere simile a questo

1. Lo spettatore viene disegnato nel lavoro.
2. Lo spettatore è guidato al punto focale(s).
3. Lo spettatore è guidato agli elementi di supporto.
4. Lo spettatore viene guidato fuori dal lavoro o di nuovo al punto focale.,

Questo movimento visivo si ottiene solitamente creando contrasto, linee guida, diagonali e elementi sovrapposti.

Dai un’occhiata al lavoro qui sotto. Quando lo esamini, prendi nota di come i tuoi occhi si muovono attraverso il lavoro.

Forse il tuo occhio ha seguito un percorso simile al mio. Sono entrato nel lavoro in fondo alla valle, vicino al torrente. Sono stato guidato dalla linea di alberi più scuri al centro dello spazio pittorico, poi di nuovo nella foresta., Poi ho seguito la fila di alberi, proprio di fronte alle montagne lontane. Da lì, sono stato guidato di nuovo al centro.

Il posizionamento di questi elementi mi ha permesso di vedere tutte le parti importanti all’interno dell’opera, apprezzando ogni sezione del dipinto da sola.

Possiamo usare le stesse tecniche per avere un po ‘ di controllo su come uno spettatore interagisce con la nostra arte. Anche se non possiamo controllare completamente come le persone vedranno la nostra arte, possiamo avere una certa influenza sulla loro esperienza visiva.,

Ritmo

Comprendiamo il ritmo attraverso la ripetizione. Ad esempio, possiamo sentire il ritmo di una canzone e il suo ritmo perché si ripete – molte volte in modo prevedibile. Senza ripetizione, non c’è ritmo.

Nell’arte, lo stesso vale. Dobbiamo avere ripetizione per avere ritmo. Visivamente, il ritmo viene creato ripetendo elementi. Questo potrebbe essere un modello regolare o irregolare di forme ripetute o potrebbe essere una ripetizione di un soggetto specifico. In entrambi i casi, gli elementi ripetuti producono un ritmo.

Dai un’occhiata al dipinto qui sotto. Si noti come ha un senso del ritmo.,

Questo ritmo viene creato attraverso la ripetizione. Possiamo vedere come le forme create per le lame dei fiori sono ripetuto…

E anche le forme per i fiori piccoli in alto a sinistra…

Le forme create per le iridi non sono diversi. Ripetono anche

Un elemento ripetuto all’interno di un’opera viene spesso definito “motivo”., Includere un motivo nel tuo lavoro può spesso portare a un senso di armonia e unità.

Torniamo all’analogia musicale. Le canzoni più popolari presentano un ritmo costante per tutta la canzone. La dinamica della canzone può cambiare, ma la firma del tempo raramente lo fa. E anche se le note possono cambiare drasticamente, il ritmo coerente unifica la canzone dall’inizio alla fine.

Le nostre opere dovrebbero avere questa coerenza, che ci porta ai prossimi principi: armonia e unità.

Armonia e unità

Anche le nostre composizioni artistiche dovrebbero essere armoniose e unificate., Armonia e unità sono così strettamente correlate che è facile supporre che siano la stessa cosa. Sono molto simili, ma ognuno dovrebbe essere considerato separatamente nelle nostre composizioni.

Unity si occupa di una sensazione di”unità”. Questo di solito è realizzato in un’opera d’arte utilizzando il mezzo in modo coerente e ad un livello di completamento. Possiamo anche pensare all’unità in termini di stile artistico. Se lo stile e l’uso dei media sono costantemente utilizzati in un lavoro e il lavoro si sente completo e finito, di solito possiamo dire che il lavoro è unificato.,

L’unità può anche essere creata in un’opera attraverso la semplificazione. Ciò può essere ottenuto semplificando forme, soggetti o combinazioni di colori.

Il lavoro qui sotto è unificato e armonioso per una serie di motivi. Il modo più ovvio in cui è unificato è attraverso il suo uso del colore.

Harris ha semplificato la combinazione di colori e utilizzato principalmente i colori complementari di rosso e verde. Il verde è molto terroso, ma ancora presente.,

L’armonia aiuta a creare unità in un’opera. Mentre l’unità si occupa dell’opera d’arte nel suo complesso, l’armonia si occupa più delle singole parti dell’opera. Se le singole parti del pezzo funzionano tutte insieme, allora l’arte potrebbe essere considerata armoniosa.

Un altro modo di pensare a questo è considerare una famiglia. Una famiglia è composta da membri diversi. Diamo un’occhiata a una famiglia in senso tradizionale per questa analogia. Una famiglia può avere un padre, una madre, un figlio e una figlia., Ogni membro della famiglia è diverso ed è la propria persona unica-ma la famiglia è ancora un’unità. Alcune famiglie vanno d’accordo l’una con l’altra, mentre altre no.

Possiamo creare armonia e unità nelle nostre composizioni by

• Usando il mezzo in modo coerente per tutto il lavoro.
• Semplificare forme, soggetti o combinazioni di colori.
• Utilizzando uno stile coerente per tutto il lavoro.
• Assicurarsi che il lavoro sembra finito.
• Garantire che ogni singola parte del pezzo funziona (e ha senso) con le altre parti.,

Enfasi

Spesso usiamo l’enfasi per definire il punto focale o i punti all’interno di una composizione. Abbiamo già discusso diversi modi in cui un artista può creare un punto focale all’interno di un’opera. Ognuno di questi metodi si basa sull’enfasi per il suo successo. L’enfasi viene solitamente creata in un’opera attraverso una qualche forma di contrasto.

Dai un’occhiata al lavoro qui sotto. Cosa pensi che sia enfatizzato?

La maggior parte di noi è attratta dalla donna nella scena, più specificamente – al suo viso., Degas ha attirato la nostra attenzione su di lei usando diversi metodi. Per cominciare, si trova in posizione centrale all’interno del piano dell’immagine. C’è anche un forte contrasto di valore intorno a lei. Notate come l’uomo accanto a lei è vestito di nero, mentre lei indossa il bianco. C’è anche un’ombra scura sul muro proprio accanto al suo viso chiaro.

Poi ci sono le linee di convergenza create dai tavoli e il bordo posteriore della panca.

Noterai anche che il volto della donna ha più dettagli rispetto agli altri elementi all’interno della scena. Questo aiuta anche a tirare l’occhio dello spettatore.,

Tutte queste caratteristiche aiutano a influenzare il modo in cui interagiamo con il soggetto.

Variety

Come l’enfasi, variety si occupa anche della differenza. I nostri disegni e dipinti dovrebbero includere una certa varietà.

Considera il tuo cibo preferito per un momento. Ora considera come sarebbe la vita se dovessi mangiare il tuo cibo preferito per ogni pasto per il resto della tua vita. Per colazione, pranzo e cena-hai il tuo cibo preferito e nient’altro. Può essere grande il primo giorno – ma dopo che, si sarebbe crescere molto stanco del vostro cibo preferito.,

Possiamo pensare alle nostre opere allo stesso modo. Non vogliamo annoiare il nostro spettatore con le stesse informazioni visive. Invece, dovremmo includere una certa varietà per tenerli impegnati e rendere le nostre opere più interessanti.

Il trucco qui è bilanciare armonia e varietà. Se prendiamo varietà troppo lontano, il lavoro probabilmente non sarà armonioso. Se prendiamo l’armonia troppo lontano, il lavoro può mancare varietà.

Dai un’occhiata all’immagine qui sotto., Si noti quanta varietà è presente

Kandinsky ha creato varietà utilizzando una vasta gamma di colori, ma ha mantenuto il dipinto unificato attraverso la semplificazione.

Spazio positivo e negativo

Lo spazio è uno dei sette elementi dell’arte. Quando pensiamo allo spazio, spesso lo consideriamo in termini di profondità o l’illusione della profondità in un disegno o in un dipinto., Tuttavia, quando si tratta di composizione, possiamo pensare allo spazio in termini di spazio pittorico reale sulla superficie del disegno o della pittura.

Lo spazio occupato da soggetti importanti o elementi di design è considerato spazio positivo. Le aree che circondano queste posizioni sono considerate spazio negativo. Spesso, è lo spazio negativo che fornisce un’area di” riposo ” per lo spettatore.

Dai un’occhiata alle immagini qui sotto. Vediamo prima l’immagine originale a sinistra. Nell’immagine centrale, lo spazio negativo è evidenziato con il rosso., Nel terzo, vediamo lo spazio positivo evidenziato con il rosso.

Lo spazio positivo e negativo lavorano insieme per creare la composizione. Una composizione può essere costituito da spazio per lo più positivo, un equilibrio anche dei due, o spazio per lo più negativo.,

L’immagine seguente illustra una composizione di gran parte positivo di spazio…

Ecco un esempio di una composizione di parti uguali di spazio positivo e negativo…

E qui c’è un fatto per lo più di spazio negativo…

Ognuna di queste composizioni è derivato dallo stesso soggetto e in ogni caso potrebbe essere considerato un “successo”.

L’uso corretto dello spazio positivo e negativo all’interno di una composizione dipende dall’equilibrio., Il modo in cui questo equilibrio viene raggiunto dipenderà dal soggetto, dall’uso del mezzo, dal livello di dettaglio incluso, dal contrasto e da altri fattori visivi.

Il modo migliore per creare un equilibrio in un’opera e garantire che lo spazio positivo e negativo funzioni per il bene della composizione è attraverso un’attenta pianificazione.

Pianificare la tua composizione

La pianificazione è forse l’aspetto più importante per trovare il successo con le tue composizioni. Sfortunatamente, è il passo che la maggior parte delle persone salta completamente.

Diciamo che si decide di andare in viaggio in un posto che non sei mai stato prima., Non avrebbe senso fare le valigie, salire in macchina e andarsene senza sapere come arrivare a destinazione. Probabilmente darai un’occhiata a una mappa o inserisci la tua destinazione nel tuo sistema di navigazione. Non arriverai mai a destinazione senza una qualche forma di preparazione e guida.

Allo stesso modo, dovremmo pianificare le nostre composizioni prima di tentare di eseguirle. Abbiamo bisogno di sapere “dove stiamo andando” con le nostre opere. Dovremmo pianificare il risultato finale prima di iniziare a crearlo., Possiamo cambiare le nostre idee mentre lavoriamo se lo desideriamo, ma dovremmo avere un’idea generale di come vogliamo che il lavoro finito assomigli prima di immergerci.

Pianificando, possiamo elaborare tutti i puzzle compositivi che vanno a creare un’opera d’arte forte. Quando lo facciamo, possiamo concentrarci sul processo effettivo di disegno e pittura poiché la maggior parte delle nostre decisioni riguardanti la composizione sono già state prese.

Nella maggior parte dei casi, la pianificazione di una composizione comporta la creazione di piccoli disegni privi di dettagli. Questi piccoli disegni sono spesso chiamati miniature o schizzi preliminari., Le miniature dovrebbero essere create rapidamente e dovrebbero essere affrontate con un atteggiamento di sperimentazione. Più miniature crei prima di iniziare sulla superficie finale, maggiori sono le tue possibilità di creare una composizione di successo.

Mentre crei le tue miniature, sii aperto a provare cose diverse. Sperimenta con il posizionamento dei soggetti e con l’equilibrio tra spazio positivo e negativo. Considerate come l’occhio di uno spettatore può muoversi attraverso il lavoro. Prova le composizioni a base verticale e confrontale con quelle orizzontali., Sperimenta con colori diversi. Tieni la mente aperta.

Molte volte, abbiamo una visione nella nostra mente di ciò che vogliamo creare e naturalmente assumiamo che sia questa visione che ha più successo. Tuttavia, nella maggior parte dei casi, la nostra visione iniziale è solo la “punta dell’iceberg”. Con un po ‘più di” scavo”, la nostra visione originale si evolve in qualcosa di molto più riuscito. Questo accade solo quando siamo aperti alla sperimentazione e ci prendiamo il tempo di pianificare.,

La regola dei Terzi

La regola dei terzi è una teoria compositiva che si basa sul posizionamento di soggetti all’interno di una composizione. Si basa sulla Media aurea, che è una formula matematica che si occupa di relazioni proporzionali. Poiché la Media aurea è piuttosto complessa, la maggior parte degli artisti e dei fotografi si basa sulla regola dei terzi per creare un effetto simile.

Ecco come funziona

Prendiamo una composizione e la dividiamo per terzi, sia orizzontalmente che verticalmente. Possiamo immaginare linee che corrono lungo ciascuno dei terzi., Queste linee si intersecano in quattro posizioni all’interno del piano dell’immagine. Posizionando soggetti importanti o punti focali su o vicino a queste posizioni di intersezione, creiamo una composizione esteticamente più riuscita.

Si noti come Guillaumin abbia posizionato la figura quasi direttamente su uno di questi punti.

Possiamo anche creare composizioni più dinamiche e interessanti posizionando i soggetti direttamente su queste linee.,

La creazione di diagonali

Le composizioni possono essere dinamiche o statiche. Le composizioni statiche sono abbastanza dirette e dirette. Una composizione statica ha senso per un’immagine informativa-come un’illustrazione scientifica. Al contrario, una composizione dinamica crea un maggiore senso della storia e coinvolge uno spettatore. Nella maggior parte dei casi, vogliamo che le nostre composizioni siano dinamiche.

È possibile creare composizioni dinamiche incorporando diagonali nel lavoro. Queste diagonali possono essere create con linee e forme reali o linee implicite., Possono anche essere utilizzati per aiutare a guidare l’occhio di uno spettatore attraverso il lavoro, come abbiamo discusso prima.

Cerca modi interessanti per includere le diagonali nel tuo lavoro. Ciò potrebbe significare che si modifica l’angolo del punto di osservazione dello spettatore. Invece di disegnare o dipingere i soggetti da un punto di vista standard, considera la vista dall’alto o dal basso, o anche da un angolo inclinato.,

I numeri dispari sono migliori

Quando componiamo le nostre opere, dovremmo anche considerare il numero di soggetti o elementi che includiamo. La mente umana trova equilibrio nei numeri dispari. Il numero ottimale da utilizzare è 3. Ciò significa che se stai componendo una natura morta, è meglio usare 3 oggetti. Questo non significa che siamo limitati a 3 oggetti. Possiamo ovviamente includere di più, se lo vogliamo. Ma se includiamo di più, i numeri dispari sono i migliori.

Consideriamo un’immagine con due oggetti. Con due oggetti, sembra esserci una sorta di competizione visiva tra i due., È difficile decidere quale soggetto è il punto focale.

Tuttavia, quando includiamo un terzo, gli altri due soggetti agiscono per inquadrare il terzo, risultando in una composizione più equilibrata.

Conclusione

La composizione non è “congettura”. Una grande composizione non è il risultato della fortuna e non si tratta certamente di talento. Si tratta di capire come uno spettatore interagirà visivamente con ciò che creiamo e un’attenta pianificazione.

Abbiamo coperto un bel po ‘ qui. E ‘ un sacco di informazioni per immergersi in., Ma praticando questi concetti e incorporandoli nelle tue opere d’arte, diventeranno gradualmente intuitivi e le tue composizioni miglioreranno.