Vari generi EDM si sono evoluti negli ultimi 40 anni, ad esempio; house, techno, dance-pop ecc. Variazione stilistica all’interno di un genere EDM stabilito può portare alla nascita di quello che viene chiamato un sottogenere. L’ibridazione, in cui elementi di due o più generi sono combinati, può portare all’emergere di un genere completamente nuovo di EDM.
precursorimodifica
Alla fine degli anni 1960 gruppi come Silver Apples crearono musica elettronica destinata alla danza., Altri primi esempi di musica che influenzarono la musica dance elettronica successiva includono la musica dub giamaicana durante la fine degli anni 1960-1970, la disco music basata sul sintetizzatore del produttore italiano Giorgio Moroder alla fine degli anni 1970 e l’electro-pop dei Kraftwerk e della Yellow Magic Orchestra nella metà-fine degli anni 1970.,
DubEdit
Autore Michael Vitello considera la musica dub, una musica Giamaicana derivanti dal roots reggae sound system cultura che fiorì tra il 1968 e il 1985, per essere uno dei più importanti precursori dell’elettronica dance contemporanea. Le produzioni dub erano tracce reggae remixate che enfatizzavano il ritmo, elementi lirici e melodici frammentati e trame riverberanti., La musica è stata introdotta da ingegneri dello studio, come Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee “Scratch” Perry e Scientist. Le loro produzioni includevano forme di montaggio su nastro e di elaborazione del suono che Veal considera paragonabili alle tecniche utilizzate nella musique concrète. I produttori di dub hanno fatto decostruzioni improvvisate di mix reggae multitraccia esistenti utilizzando il mixing board dello studio come strumento di performance. Hanno anche messo in primo piano effetti spaziali come riverbero e delay utilizzando percorsi di invio ausiliari in modo creativo., Il Roland Space Echo, prodotto da Roland Corporation, è stato ampiamente utilizzato dai produttori dub nel 1970 per produrre effetti di eco e delay.
Nonostante le limitate apparecchiature elettroniche disponibili per i pionieri del dub come King Tubby e Lee “Scratch” Perry, i loro esperimenti nella cultura del remix erano musicalmente all’avanguardia. Ambient dub è stato aperto la strada da King Tubby e altri artisti del suono giamaicano, utilizzando l’elettronica ambient ispirata al DJ, completa di drop-out, eco, equalizzazione ed effetti elettronici psichedelici., Ha caratterizzato tecniche di stratificazione ed elementi incorporati di world music, linee di basso profondo e suoni armonici. Sono state utilizzate anche tecniche come un ritardo di eco lungo.
Hip hopEdit
musica Hip hop ha avuto una certa influenza nello sviluppo della musica dance elettronica dal 1970. Ispirato dal sound system Giamaicano cultura Giamaicana-American DJ Kool Herc ha introdotto grandi bassi pesanti altoparlante impianti per il Bronx. I suoi partiti sono accreditati di aver dato il via al movimento hip-hop di New York nel 1973., Una tecnica sviluppata da DJ Kool Herc che divenne popolare nella cultura hip hop stava suonando due copie dello stesso disco su due giradischi, in alternanza, e nel punto in cui una traccia presentava una pausa. Questa tecnica è stata ulteriormente utilizzata per loop manualmente una pausa puramente percussiva, che porta a quello che è stato poi chiamato un break beat.
Il turntablism ha origine nell’invenzione del giradischi a trasmissione diretta, da parte di Shuichi Obata, un ingegnere di Matsushita (ora Panasonic)., Nel 1969, Matsushita lo pubblicò come SP-10, il primo giradischi a trasmissione diretta sul mercato e il primo della loro influente serie di giradischi Technics. Il giradischi più influente è stato il Technics SL-1200, sviluppato nel 1971 da un team guidato da Shuichi Obata a Matsushita, che lo ha poi lanciato sul mercato nel 1972. Negli anni 1980 e 1990 i DJ hip-hop usavano i giradischi come strumenti musicali a sé stanti e l’uso virtuosistico si sviluppò in una pratica creativa chiamata turntablism.,
DiscoEdit
Si comporta come Donna Summer, Chic, Earth, Wind, and Fire, Heatwave, e la gente del Villaggio ha contribuito a definire il suono disco della fine degli anni 1970. Nel 1977 Giorgio Moroder e Pete Bellotte producono “I Feel Love” per Donna Summer. È diventato il primo noto disco hit ad avere una base musicale completamente sintetizzata., Altri produttori di disco, il più famoso produttore americano Tom Moulton, hanno afferrato idee e tecniche dalla musica dub (che è arrivata con l’aumento della migrazione giamaicana a New York negli 1970) per fornire alternative allo stile four-on-the-floor che dominava. Durante i primi anni 1980, la popolarità della disco music è fortemente diminuita negli Stati Uniti, abbandonata dalle principali etichette discografiche e produttori statunitensi. Euro disco ha continuato ad evolversi all’interno dell’ampia scena musicale pop mainstream.,
Synth-popEdit
Synth-pop (abbreviazione di ‘synthesizer pop’; chiamato anche ‘techno-pop’) è un sottogenere della musica new wave che divenne prominente alla fine degli anni 1970 e presenta il sintetizzatore come strumento musicale dominante. È stato prefigurato negli anni 1960 e nei primi anni 1970 dall’uso di sintetizzatori nel rock progressivo, nell’elettronica, nell’art rock, nella disco, e in particolare nel “Krautrock” di gruppi come Kraftwerk., È nato come un genere distinto in Giappone e nel Regno Unito nell’era post-punk come parte del movimento new wave tra la fine degli anni 1970 e la metà degli anni 1980.
I primi pionieri del synth-pop includevano il gruppo giapponese Yellow Magic Orchestra, e le band britanniche Ultravox, the Human League e Berlin Blondes. La Lega umana ha usato sintetizzatori monofonici per produrre musica con un suono semplice e austero., Dopo la svolta di Gary Numan nella UK Singles Chart nel 1979, un gran numero di artisti ha cominciato a godere di successo con un suono sintetizzatore-based nei primi anni 1980, tra cui alla fine del 1970 debuttanti come Japan e Orchestral Manoeuvres in the Dark, e nuovi arrivati come Depeche Mode e Eurythmics. In Giappone, il successo della Yellow Magic Orchestra ha aperto la strada a gruppi synth-pop come P-Model, Plastics e Hikashu. Lo sviluppo di sintetizzatori polifonici poco costosi, la definizione di MIDI e l’uso di beat dance, hanno portato a un suono più commerciale e accessibile per il synth-pop., Questo, la sua adozione da parte degli atti attenti allo stile del movimento New Romantic, insieme con l’ascesa di MTV, ha portato al successo per un gran numero di atti synth-pop britannici (tra cui Duran Duran e Spandau Ballet) negli Stati Uniti.
L’uso del campionamento digitale e del looping nella musica popolare è stato introdotto dalla band giapponese di musica elettronica Yellow Magic Orchestra (YMO). Il loro approccio al campionamento è stato un precursore dell’approccio contemporaneo di costruire musica tagliando frammenti di suoni e li loop utilizzando la tecnologia informatica., “Computer Game/Firecracker” (1978) interpolava una melodia di Martin Denny e campionava i suoni dei videogiochi Space Invaders. Technodelic (1981) introdusse l’uso del campionamento digitale nella musica popolare, come primo album composto principalmente da campioni e loop. L’album è stato prodotto utilizzando il campionatore digitale PCM LMD-649 della Toshiba-EMI, che l’ingegnere Kenji Murata ha costruito su misura per YMO. Il LMD-649 è stato utilizzato anche per il campionamento da altri artisti synthpop giapponesi nei primi anni 1980, tra cui atti YMO associati come Chiemi Manabe e Logic System.,
Musica dance negli anni ’80modifica
L’emergere della musica dance elettronica negli anni’ 80 è stato modellato dallo sviluppo di diversi nuovi strumenti musicali elettronici, in particolare quelli della giapponese Roland Corporation. Il Roland TR-808 (spesso abbreviato in “808”) ha giocato un ruolo importante nell’evoluzione della musica dance, dopo “Planet Rock” di Afrika Bambaataa (1982), reso molto popolare sui dancefloors., La traccia, che conteneva anche la linea melodica del Trans-Europe Express dei Kraftwerk, ha informato lo sviluppo della musica dance elettronica e dei sottogeneri tra cui Miami bass e Detroit techno, e ha reso popolare l ‘ 808 come “elemento fondamentale del suono futuristico”. Secondo Slate, ” Planet Rock “”non ha tanto messo l’ 808 sulla mappa tanto quanto riorientare un intero mondo di musica dance post-disco intorno ad esso”. Il Roland TR-909, TB-303 e Juno-60 influenzarono allo stesso modo la musica dance elettronica come techno, house e acid.,
Post-discoEdit
Durante il post-discoteca epoca che seguì la reazione contro il “disco” che, iniziata a metà alla fine del 1979, che negli Stati Uniti portare a disordini civili e un tripudio di Chicago conosciuta come la Discoteca di Demolizione Notte, un movimento clandestino di “stripped-down”, disco ispirato alla musica con “radicalmente diversi suoni” ha iniziato a emergere sulla Costa Orientale., Questa nuova scena è stata vista principalmente nell’area metropolitana di New York ed è stata inizialmente guidata dagli artisti contemporanei urbani che stavano rispondendo all’eccessiva commercializzazione e alla successiva scomparsa della cultura disco. Il suono che è emerso ha avuto origine dal P-Funk il lato elettronico della disco, della musica dub e di altri generi. Gran parte della musica prodotta durante questo periodo era, come discoteca, catering per un mercato single-driven. In questo momento creative control ha iniziato a passare a case discografiche indipendenti, produttori meno affermati e DJ di club., Altri stili di danza che iniziarono a diventare popolari durante l’era post-disco includono dance-pop, boogie, electro, Hi-NRG, Italo disco, house e techno.
ElectroEdit
Lo strumento che forniva i battiti di batteria programmati sintetizzati di electro, la drum machine Roland TR-808.
Nei primi anni 1980, electro (abbreviazione di “electro-funk”) emerse come una fusione di electro-pop, funk e boogie., Chiamato anche electro-funk o electro-boogie, ma in seguito abbreviato in electro, i pionieri citati includono Ryuichi Sakamoto, Afrika Bambaataa, Zapp, D. Train e Sinnamon. I primi hip hop e rap combinati con influenze electropop tedesche e giapponesi come Kraftwerk e Yellow Magic Orchestra hanno ispirato la nascita dell’electro. Con lo sviluppo del suono elettronico, strumenti come il basso e la batteria sono stati sostituiti da sintetizzatori e, in particolare, da iconiche drum machine, in particolare il Roland TR-808 e lo Yamaha DX7., I primi usi del TR-808 includono diverse tracce della Yellow Magic Orchestra nel 1980-1981, la traccia del 1982 “Planet Rock” di Afrika Bambaataa e la canzone del 1982 “Sexual Healing” di Marvin Gaye. Nel 1982, il produttore Arthur Baker, con Afrika Bambaataa, pubblicò il seminale “Planet Rock”, che era influenzato dalla Yellow Magic Orchestra, utilizzava campioni Kraftwerk e aveva battute di batteria fornite dal TR-808. Planet Rock è stato seguito più tardi quell’anno da un altro disco electro svolta, “Nask” di Warp 9., Nel 1983, Hashim ha creato un suono electro-funk con ” Al-Naafyish (The Soul) “che ha influenzato Herbie Hancock, risultando nel suo singolo di successo” Rockit ” lo stesso anno. I primi anni 1980 sono stati picco mainstream di electro. Secondo l’autore Steve Taylor, il Planet Rock di Afrika Bambaataa funge da “modello per tutta la musica dance interessante da allora”.,
Casa musicEdit
Nei primi anni 1980, Chicago radio jocks Hot Mix 5 e i Dj Ron Hardy e Frankie Knuckles giocato i vari stili di danza, di musica, tra cui anziani discoteca record (per lo più Philly discoteca e Salsoul tracce), electro funk brani di artisti come Afrika Bambaataa, più recente Italo disco, B-Boy della musica hip hop da Uomo Parrish, Jellybean Benitez, Arthur Baker e John Robie, e la musica pop-elettronica dei Kraftwerk e Yellow Magic Orchestra., Alcuni hanno fatto e suonato le proprie modifiche delle loro canzoni preferite su nastro reel-to-reel, e talvolta mescolati in effetti, drum machine e altra strumentazione elettronica ritmica. L’ipnotica canzone dance elettronica “On and On”, prodotta nel 1984 dal DJ di Chicago Jesse Saunders e co-scritta da Vince Lawrence, aveva elementi che divennero punti fermi del suono house iniziale, come il sintetizzatore per basso Roland TB-303 e voci minimali, nonché una drum machine Roland (in particolare TR-808) e un sintetizzatore Korg (in particolare Poly-61).,
“On and On” è talvolta citato come “first house record”, anche se altri esempi di quel periodo, come “Music is the Key” di J. M. Silk (1985), sono stati citati anche. La musica house si diffuse rapidamente nelle città americane, tra cui New York City, Newark e Detroit, che svilupparono le proprie scene regionali. Nella metà-fine degli anni 1980, la musica house divenne popolare in Europa, così come nelle principali città del Sud America e in Australia. La casa di Chicago conobbe un certo successo commerciale in Europa con uscite come “House Nation” di House Master Boyz e the Rude Boy of House (1987)., A seguito di questo, un certo numero di casa ispirato uscite come “Pump Up The Volume” di M|A|R|R|S (1987), “Theme from S’Express” di S’Express (1988), e “Doctorin’ the House” di Coldcut (1988) è entrato nelle classifiche pop.
La strumentazione elettronica e l’arrangiamento minimale di Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982) di Charanjit Singh, un album di ragas indiani eseguiti in stile disco, anticiparono le sonorità della musica acid house, ma non è noto che abbia avuto alcuna influenza sul genere prima della riscoperta dell’album nel 21 ° secolo.,
Techno, acid house, raveEdit
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Roland TB-303: Il sintetizzatore di linea di basso che è stato usato in modo prominente in acid house.
A metà degli anni 1980 la musica house prosperò sulla piccola isola delle Baleari di Ibiza, in Spagna. Il suono delle Baleari era lo spirito della musica che emergeva dall’isola in quel momento; la combinazione di vecchi dischi in vinile rock, pop, reggae e disco abbinati a un atteggiamento “tutto va bene” ha reso Ibiza un centro di sperimentazione musicale indotta dalla droga., Un club chiamato Amnesia, il cui DJ residente, Alfredo Fiorito, pioniere Balearic house, era il centro della scena. L’amnesia divenne nota in tutta Europa e dalla metà alla fine degli anni ‘ 80 attirava persone da tutto il continente.
Nel 1988, la musica house era diventata la forma più popolare di musica da club in Europa, con l’acid house che si sviluppò come una tendenza notevole nel Regno Unito e in Germania nello stesso anno. Nel Regno Unito una sottocultura consolidata warehouse party, centrata sulla scena del sound system britannico afro-caraibico, alimentava after-party sotterranei che presentavano esclusivamente musica dance., Sempre nel 1988, l’atmosfera festiva delle Baleari associata al DJ Alfredo di Ibiza fu trasportata a Londra, quando Danny Rampling e Paul Oakenfold aprirono rispettivamente i club Shoom e Spectrum. Entrambi i luoghi sono diventati sinonimi di acid house, ed è stato durante questo periodo che MDMA ha guadagnato importanza come droga di partito. Altri importanti club britannici includevano Back to Basics a Leeds, Sheffield’s Leadmill and Music Factory, e L’Haçienda a Manchester, dove lo spot di Mike Pickering e Graeme Park, Nude, era un importante terreno di prova per la musica dance underground americana., Il successo di house e acid house ha aperto la strada per Detroit Techno, uno stile che è stato inizialmente supportato da una manciata di club di musica house a Chicago, New York, e nel nord dell’Inghilterra, con i club di Detroit recuperando più tardi. Il termine Techno è entrato in uso per la prima volta dopo la pubblicazione di una compilation 10 Records/Virgin Records intitolata Techno: The Dance Sound of Detroit nel 1988.,
Una delle prime produzioni di Detroit a ricevere maggiore attenzione fu “Strings of Life” (1987) di Derrick May, che, insieme alla precedente pubblicazione di May, “Nude Photo” (1987), contribuì ad aumentare il profilo della techno in Europa, specialmente nel Regno Unito e in Germania, durante il boom della musica house 1987-1988 (vedi Second Summer of Love). Divenne la traccia più conosciuta di May, che, secondo Frankie Knuckles, ” è appena esplosa. Era come qualcosa che non puoi immaginare, il tipo di potere ed energia che le persone hanno ottenuto da quel disco quando è stato ascoltato per la prima volta., Mike Dunn dice che non ha idea di come le persone possano accettare un disco che non ha una linea di basso.”Secondo il DJ britannico Mark Moore,” Strings of Life “ha portato i frequentatori dei club di Londra ad accettare house:” perché la maggior parte delle persone odiava la musica house ed era tutto raro groove e hip hop…Suonerei ‘Strings of Life’ al Mudd Club e libererei il pavimento”. Alla fine degli anni 1980 l’interesse per la casa, l’acid house e la techno si intensificarono nella scena dei club e i frequentatori di club alimentati da MDMA, che si trovavano di fronte a un orario di chiusura di 2 am nel Regno Unito, iniziarono a cercare rifugio fuori orario alle feste di magazzino per tutta la notte., Nel giro di un anno, nell’estate del 1989, fino a 25.000 persone alla volta partecipavano a feste clandestine organizzate commercialmente chiamate rave.,egli 1990sEdit
TranceEdit
Trance emerse dalla scena rave nel Regno Unito alla fine del 1980 e ulteriormente sviluppato durante i primi anni 1990 in Germania, prima di diffondersi in tutto il resto d’Europa, come più melodico propaggine di techno e house., Allo stesso tempo la musica trance si stava sviluppando in Europa, il genere stava anche raccogliendo un seguito nello stato indiano di Goa.La trance è principalmente strumentale, anche se le voci possono essere mescolate: in genere sono eseguite da mezzosoprano a solisti femminili soprano, spesso senza una struttura tradizionale di versi / coro. Forma vocale strutturata nella musica trance costituisce la base del sottogenere trance vocale, che è stato descritto come “grande, impennata, e operistica” e “femminile eterea conduce galleggianti tra i synth”., La musica trance è suddivisa in una serie di sottogeneri tra cui acid trance, classic trance, hard trance, progressive trance e trance edificante., Uplifting trance è anche conosciuto come “inno di trance”, “epic trance”, “commerciale trance”, “stadio di trance”, o “euforico trance”, ed è stato fortemente influenzato dalla musica classica nel 1990 e 2000 da importanti artisti come Ferry Corsten, Armin Van Buuren, Tiësto, Spingere, di Rango 1 e al presente con lo sviluppo di un sottogenere “orchestrale uplifting trance” o “uplifting trance con l’orchestra sinfonica” da artisti come Andy Blueman, Ciro Visone, Soundlift, Artico Luna, Sergey Nevone&Simon O’Shine etc., Strettamente correlato alla trance edificante è l’Euro-trance, che è diventato un termine generale per un’ampia varietà di musica dance europea altamente commercializzata. Diversi sottogeneri sono crossover con altri grandi generi di musica elettronica. Ad esempio, Tech trance è una miscela di trance e techno, e la trance vocale “combina elementi progressivi con la musica pop”. Il genere dream trance è nato a metà degli anni 1990, con la sua popolarità allora guidata da Robert Miles.,
AllMusic afferma su progressive trance: “l’ala progressive della folla trance ha portato direttamente ad un suono più commerciale, orientato alle classifiche, dal momento che la trance non aveva mai goduto di molta azione nelle classifiche in primo luogo. Enfatizzando il suono più fluido dell’Eurodance o della house (e occasionalmente più reminiscente di Jean-Michel Jarre rispetto a Basement Jaxx), la Trance progressiva divenne il suono delle piste da ballo del mondo entro la fine del millennio. I critici hanno ridicolizzato la sua attenzione su guasti prevedibili e relativa mancanza di abilità nel beat-mix, ma la trance progressiva è stata picchiata dal DJ più caldo.,”
Breakbeat hardcore, jungle, drum e bassEdit
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Nei primi anni 1990, uno stile di musica si sviluppò all’interno della scena rave che aveva un’identità distinta dalla house americana e dalla techno. Questa musica, molto simile all’hip-hop prima di esso, combinava battiti sincopati campionati o break beat, altri campioni da una vasta gamma di generi musicali diversi e, occasionalmente, campioni di musica, dialoghi ed effetti da film e programmi televisivi., Rispetto ai precedenti stili di musica dance come house e techno, la cosiddetta “musica rave” tendeva a enfatizzare i suoni dei bassi e ad usare tempi più veloci, o battiti al minuto (BPM). Questo sottogenere era conosciuto come” hardcore “rave, ma già nel 1991, alcuni brani musicali composti da questi break beat ad alto tempo, con linee di basso pesanti e campioni della vecchia musica giamaicana, furono chiamati” jungle techno”, un genere influenzato da Jack Smooth e Basement Records, e più tardi solo” jungle”, che divenne riconosciuto come un genere musicale separato popolare nei rave e nelle radio pirata in Gran Bretagna., È importante notare quando si discute la storia del drum & bass che prima di jungle, la musica rave stava diventando più veloce e più sperimentale.
Nel 1994, jungle aveva iniziato a guadagnare popolarità mainstream e fan della musica (spesso indicato come junglists) è diventato una parte più riconoscibile della sottocultura giovanile. Il genere si sviluppò ulteriormente, incorporando e fondendo elementi da una vasta gamma di generi musicali esistenti, tra cui il suono raggamuffin, dancehall, MC chants, linee di basso dub e percussioni breakbeat sempre più complesse e pesantemente modificate., Nonostante l’affiliazione con la scena rave alimentata dall’ecstasy, Jungle ha anche ereditato alcune associazioni con la violenza e l’attività criminale, sia dalla cultura gang che aveva influenzato la scena hip-hop del Regno Unito sia come conseguenza del suono spesso aggressivo o minaccioso di jungle e dei temi della violenza (di solito riflessi nella scelta dei campioni). Tuttavia, questo si è sviluppato in tandem con la reputazione spesso positiva della musica come parte della più ampia scena rave e della cultura musicale giamaicana basata sulla sala da ballo prevalente a Londra., Nel 1995, sia come reazione a, o indipendentemente da questo scisma culturale, alcuni produttori jungle cominciarono ad allontanarsi dallo stile ragga-influenzato e creare quello che sarebbe diventato collettivamente etichettato, per comodità, come drum and bass.
musica da Ballo nel 21 ° centuryEdit
DubstepEdit
Dubstep è un genere di musica dance elettronica che ha avuto origine nel Sud di Londra alla fine del 1990., È generalmente caratterizzato da pattern ritmici radi e sincopati con linee di basso che contengono frequenze sub-basse prominenti. Lo stile è emerso come una propaggine del garage britannico, attingendo a un lignaggio di stili correlati come 2-step, dub reggae, jungle, broken beat e grime. Nel Regno Unito, le origini del genere possono essere fatte risalire alla crescita della scena giamaicana sound system partito nei primi anni 1980.
Le prime uscite dubstep risalgono al 1998, e sono stati solitamente presenti come B-sides di 2-step garage singoli rilasci., Queste tracce erano più scure, remix più sperimentali con meno enfasi sulla voce, e ha tentato di incorporare elementi di breakbeat e drum and bass in 2-step. Nel 2001, questa e altre varietà di musica dark garage iniziarono ad essere presentate e promosse al nightclub di Londra Plastic People, al “Forward” night (a volte stilizzato come FWD>>), che continuò ad essere notevolmente influente per lo sviluppo del dubstep., Il termine “dubstep” in riferimento ad un genere di musica ha cominciato ad essere utilizzato da circa 2002 da etichette come Big Apple, Munizioni, e Tempa, quando le tendenze stilistiche utilizzati nella creazione di questi remix ha iniziato a diventare più evidente e distinto da 2-step e grime.
Electro houseEdit
Electro house è una forma di musica house caratterizzata da una linea di basso prominente o grancassa e un tempo tra 125 e 135 battiti al minuto, di solito 128. Le sue origini sono state influenzate da electro, electroclash, electropop, synth-pop e tech house., Il termine è stato usato per descrivere la musica di molti DJ Mag Top 100 DJ, tra cui Dimitri Vegas & Come Mike, Hardwell, Skrillex e Steve Aoki. Il DJ italiano Benny Benassi, con il suo brano “Satisfaction” pubblicato nel 2002, è visto come il precursore dell’electro-house che lo ha portato al mainstream. Verso la metà degli anni 2000, l’electro-house ha visto un aumento di popolarità, con successi come il remix di Tom Neville di I See Girls di Studio B nel 2005 (UK #11). Nel novembre 2006, le tracce electro-house “Put Your Hands Up For Detroit” di Fedde Le Grand and the D., Ramirez remix di “Yeah Yeah” di Bodyrox e Luciana ha tenuto il numero uno e il numero due posti, rispettivamente, nella UK Top 40 singles charts. Da allora, sono emersi produttori electro-house come Feed Me, Knife Party, The M Machine, Porter Robinson, Yasutaka Nakata e Dada Life.
Musica trap (EDM)
La musica trap (EDM) è nata dalla techno, dal dub e dalla Dutch House, ma anche dall’hip hop meridionale alla fine degli anni 2000 e all’inizio degli anni 2010., Questa forma di trappola musica può essere semplificato con queste tre caratteristiche: “1/3 hip hop (tempo e la struttura delle canzoni sono simili, la maggior parte dei brani sono di solito tra 70-110 bpm) – con la voce che a volte veniva piantato giù, 1/3 di musica da ballo – acuto olandese synth lavoro, Hardstyle di campionamento, nonché una pletora di trappola remix di popolare EDM canzoni, e 1/3 dub (a bassa frequenza di fuoco e una forte enfasi sulla ripetitività tutta una canzone)”., Alcuni degli artisti che hanno reso popolare questo genere, insieme a molti altri, sarebbero produttori come RL Grime con i brani “Core” e ” Scylla “pubblicati nel 2014, Flosstradamus con il loro album” Hdynation Radio “pubblicato nel 2015 e Carnage (DJ) con il suo brano” Turn Up ” pubblicato nel 2012. La musica trap in questa connotazione è stata caratterizzata da” synth soulful, 808s, il flauto di pan, snares taglienti e vocali lunghe, sciroppo-slurred “che ha creato battiti sporchi e aggressivi con conseguente” melodie scure ” Trap è ora utilizzato principalmente come remix.
