Come scrittore, ho provato la mia mano a molti diversi tipi di narrazione; ma essendo una persona più visiva, mi sono trovato attratto da script, sia per il palco e lo schermo.
Se sei qui, probabilmente significa che hai provato a cercare su Google “play format” e hai un sacco di formati confusi e diversi — so che l’ho fatto quando ho cercato di capirlo da solo. “Formato UK?””Spettacoli radiofonici?””Dove va il dialogo?”
Ogni fonte che ho guardato sembrava diversa., Ma dopo aver seguito un corso universitario nel mestiere e aver completato i miei brevi script, ho pensato di suddividerlo in una guida molto più semplice. Alcuni rapidi suggerimenti prima di arrivare al nocciolo:
Courier, o Courier New, sono di solito i tuoi font go-to
12pt. dimensioni fino in fondo, spaziati singoli (e senza spazi aggiuntivi prima o dopo i paragrafi)
Naturalmente, se alla società di produzione a cui stai inviando lo script piace in un certo modo, assicurati sempre di seguire le loro istruzioni. Questa guida è pensata per essere un formato generale che dovrebbe funzionare per la maggior parte dei posti.,
Se ti piace vedere le cose in un formato di immagine più grande, l’immagine in basso mostra come appare tutto questo messo insieme. Per una guida passo-passo, continua a leggere.
Frontespizio:
Questo è piuttosto semplice; il titolo va qui, insieme al tuo nome come autore (se lo stai scrivendo con qualcuno, allora lo metterai anche lì)., Se sia o non deve essere centrata è fino a quanto la gente si sta presentando non piace, ma la trovo una buona regola empirica è quello di mantenere le cose semplici, allineato a sinistra, con due punti e una breve descrizione di quanto tempo, in questo modo:
Esempio di Script Titolo: Un X-Act Giocare da
creare una nuova pagina e proseguire per il Cast…
Cast Pagina:
Questo è abbastanza semplice; elenco dei tuoi personaggi, allineato a sinistra (preferibilmente con i loro nomi in grassetto per farle stare fuori), seguito da una breve descrizione di essi., Ho visto formati in cui le descrizioni sono su una colonna separata, ma a meno che alla società di produzione a cui lo stai inviando piaccia in questo modo, starai bene mantenendo tutto in una colonna, allineata a sinistra.
Non hai bisogno di mettere tutta la loro storia di vita, o un profilo completo della personalità, solo alcuni descrittori di base, come questo:
Carattere 1: A , X anni, lavorando come a ;
Seguito dal numero della scena, come questo:
Act , Scene
Se stai scrivendo un breve gioco che ha solo un atto (che è generalmente tra 30-60 pagine), allora metti semplicemente il numero della scena.,
Impostazioni:
Sotto di ciò vorrai la tua impostazione; Di solito metto “impostazione” in TUTTE le MAIUSCOLE, per farlo risaltare, ma non devi; sottolinearlo o metterlo in grassetto funzionerà anche. Descrivi brevemente la tua impostazione-non preoccuparti, avrai il tempo di entrare nei dettagli nella riga successiva.
Questa è la parte in cui si imposta la scena (letteralmente). Sotto la tua “impostazione”, ti consigliamo di indentare questo (ti consiglio di usare il pulsante” aumenta rientro ” sul tuo programma di scrittura, invece di tab, in quanto assicura che ogni riga sia rientrata della stessa quantità).,
Mettilo in corsivo e poi entra nel dettaglio (o nel minimo) che vuoi. Pensa a dove siamo — siamo in una casa? Quale stanza della casa? Che tipo di mobili ci sono? Dove portano le porte? Anche se le porte sono tecnicamente fuori scena, portano da qualche parte nella “casa.”
Generalmente più dettagli è meglio che troppo poco, in quanto questo aiuta il regista e lo scenografo a sapere cosa intendi-ricorda, il tuo lavoro come scrittore è quello di essere chiari su ciò che si vede e come si intende che sia visto; vuoi che la porta sul palco-giusto per condurre alla cucina?, Dillo così, in modo che le produzioni future sapranno cosa intendi.
Arrivare all’azione:
Dopo aver impostato la scena, vai a una nuova riga e mantieni lo stesso rientro. Ti consigliamo un qualche tipo di azione qui prima di lanciare in un dialogo. Se due personaggi si incontrano da qualche parte, forse uno entra (dal palco a destra oa sinistra) e si avvicina all’altro. Sono già seduti a un tavolo? Sii breve, ma diretto.,
Dopo aver saputo dove si trovano i tuoi personaggi in relazione all’impostazione, puoi iniziare il dialogo Dialogue
Dialogo:
Prima di poter avere qualsiasi dialogo parlato, dovrai dire quale personaggio sta parlando. Basta mettere il loro nome in TUTTE le MAIUSCOLE, allineato al centro (senza bisogno di due punti).
Sotto quello, allineato a sinistra, metti il loro dialogo. L’allineamento a sinistra è importante qui, in quanto questo è diverso dalle sceneggiature., Dovrebbe assomigliare a questo:
CARATTERE 1 (allineato al centro)
(allineato a sinistra)
Fine della scena:
Dopo che il tuo dialogo è stato fatto per quella scena, crea una nuova riga e indentila come hai fatto per l’azione; questo è dove descriverai come i tuoi personaggi escono (se escono del tutto).
Una volta terminata la scena, è bene inserire una riga “lights go down” (nello stesso formato dell’azione), in modo che il team di produzione sappia che la scena è davvero finita e possano iniziare a prepararsi per la prossima.
E… questo è tutto., Continua a seguire gli eventi del tuo script, cambiando i numeri di atto / scena mentre progredisci. Alcune piccole cose da tenere a mente
Altre note:
Se il tuo personaggio sta facendo un’azione mentre parla, o parla a un tono o un volume diverso dal normale, puoi usare il corsivo e (parentesi), allineati al centro sotto il nome del personaggio, per mostrarlo., La mia regola personale è, se un personaggio sta sussurrando, scrivilo in questo modo:
CARATTERE 1
(Sussurrando)
Ma se si stanno alzando da un tavolo, o stanno facendo qualcosa che richiede più movimento, è meglio metterlo su una linea diversa, e allinearlo a sinistra, come faresti con qualsiasi altra azione.
Se il tuo dialogo scorre abbastanza bene, non dovresti aver bisogno di mettere troppe cose come “con rabbia” o “ad alta voce”; quelle saranno ovvie dal tono o dalla punteggiatura., Ma cose come “in un tono alto” o “imitando così e così” o “voice breaking” potrebbe essere necessario inserire se si desidera che l’effetto completo sia realizzato dall’attore.
Un’altra regola empirica: non descrivere un’azione per indicare lo spostamento di tono di un personaggio. Ad esempio, se vuoi che il tuo personaggio cambi tono e inizi ad essere freddo e in stallo, potresti essere tentato di dire,
Il personaggio 1 incrocia le gambe (o piega le braccia, o qualche altro indicatore fisico)
e poi continua con il dialogo.,
Poiché il tuo attore eseguirà le linee (generalmente) nel modo in cui vogliono, ti consigliamo di lasciare cose del genere aperte. Un modo migliore per pensarci sarebbe descrivere come cambia il tono o il comportamento del personaggio, non quello che fanno fisicamente.
Quindi, invece della descrizione precedente, prova,
Il carattere 1 diventa freddo e distante.
Questo lascia l’attore aperto a interpretarlo e portare le proprie prestazioni fisiche in esso, e assicura che il regista sappia cosa vuoi che accada.,
Per il finale:
Quando si raggiunge la fine, è una buona idea avere una riga “le luci si abbassano” come nelle altre scene, e poi in basso, allineato a sinistra, basta mettere “La fine”; questo può essere in grassetto se vuoi, o TUTTI I TAPPI, ma dovrebbe risaltare, in modo che tutti leggendolo sappiano che è dove si ferma davvero.
Per un look a tutto questo messo insieme, questa immagine potrebbe essere un utile modello:
