Vi siete mai chiesti come elementi di una fotografia si uniscono per formare un’immagine di successo? In questo articolo, vedremo come utilizzare i sette principi dell’arte e del design.
Questi principi di progettazione ti aiuteranno a creare immagini migliori e più interessanti.
Quali sono i 7 principi dell’arte e del design?,
I 7 principi dell’arte e del design sono equilibrio, ritmo, pattern, enfasi, contrasto, unità e movimento. Usa gli elementi dell’arte e del design – linea, forma/forma, spazio, valore, colore e trama – per creare una composizione nel suo complesso.
Gli elementi dell’arte e del design sono gli strumenti degli artisti visivi. I principi dell’arte e del design rappresentano il modo in cui un artista utilizza questi strumenti per creare arte visiva.
Applicando i 7 principi dell’arte e del design, i fotografi possono creare un’immagine coesa fondata sui fondamenti della teoria dell’arte.
Diamo uno sguardo più da vicino ogni principio.,
7. Balance
Balance viene utilizzato per illustrare il peso visivo di un’immagine. Può unire una fotografia o creare divisione. Un’immagine attentamente bilanciata conferisce un senso di stabilità a una fotografia. Un’immagine sbilanciata crea disunione o disordini.
Entrambe le applicazioni sono a posto, a seconda del risultato desiderato.,
È possibile raggiungere l’equilibrio in tre modi:
- Simmetria – entrambi i lati di un’immagine riflettono lo stesso argomento, come un’immagine speculare.
- Asimmetria – elementi contrastanti bilanciano l’immagine. Ad esempio, una superficie altamente strutturata su un lato di un’immagine, controbilanciata da una superficie liscia e opaca sull’altro.
- Simmetria di bilanciamento radiale – elementi distanziati equamente attorno a un punto centrale, come raggi su una ruota.
L’equilibrio è sensuale in quanto “sembra” sbagliato o giusto., Se stai cercando di enfatizzare l’equilibrio in un’immagine, prova a spostare la fotocamera per ottenere prospettive diverse.
Puoi anche provare a fotografare diversi campi di texture e colori. Non aver paura di sperimentare un po’.
6. Ritmo
In molti modi, la composizione nella musica è molto simile alla composizione nella fotografia., Il concetto fotografico di ritmo prende in prestito pesantemente dalla teoria musicale.
Proprio come un musicista che legge le note su uno spartito, i soggetti in uno spazio regolano il modo in cui vediamo una fotografia.
Il ritmo determina la distribuzione ricorrente o organizzata / disorganizzata di elementi visivi in tutta un’immagine.
Per introdurre un senso del ritmo alla tua fotografia, prova a visualizzare la notazione musicale.
Gli spazi, le correlazioni e le differenze tra i soggetti in una fotografia come questa riflettono le note su uno spartito musicale.
5., Pattern
Il pattern dà un senso al mondo visivo attraverso la regolarità. Dagli oggetti creati dall’uomo alla materia organica e all’astrazione.
Gli elementi di progettazione possono essere organizzati in modo prevedibile per formare un modello. In parole povere, i modelli sono ripetizioni degli elementi dell’arte e del design. Questi funzionano all’unisono all’interno di un singolo fotogramma.
L’occhio umano è calibrato per cercare il modello. Questo può evocare reazioni emotive sorprendenti da uno spettatore.
I pattern sono un principio attivo dell’arte e del design, sollevano un’immagine dalla pagina., Incorporando modello nella vostra fotografia è tanto di esplorare come si tratta di tecnica fotografica.
Prova a guardare fuori per le caratteristiche architettoniche e urbane o soggetti organici come i fiori. Una volta che si inizia a guardare, sarete stupiti dall’abbondanza di modelli intorno a voi.
4. Enfasi
L’enfasi forma il centro di interesse in un’immagine., Colore, spazio, texture e linea lavorano insieme per determinare la messa a fuoco di un’immagine.
Ci sono molti modi per creare enfasi in una fotografia. L’enfasi spaziale implica l’orientamento di un soggetto all’interno della cornice fotografica.
Un soggetto solitario situato al centro di un’immagine attirerà l’attenzione. È il componente più facilmente disponibile della fotografia.
Per una fotografia con un numero di soggetti, il raggruppamento selettivo guida l’occhio dello spettatore verso particolari punti focali.
La dimensione di un soggetto determina anche il modo in cui lo spettatore ‘leggerà’ una fotografia., Un soggetto più grande suggerisce una vicinanza alla superficie della fotografia. Comanda maggiore attenzione di quella di un soggetto più piccolo in background.
Incorporando dimensioni racconta una storia sulla fisicità dei soggetti in una fotografia, aggiungendo profondità e prospettiva.
Il colore è un altro strumento che può coltivare l’enfasi. Un soggetto dai colori vivaci all’interno di una scena oscura dà un senso di vivacità e vita a un’immagine. Attira l’occhio dello spettatore.,
3. Contrasto
Il contrasto viene creato quando due o più elementi opposti sono presenti in una fotografia. Luce contro buio, caldo contro freddo.
Ma il contrasto include anche elementi fisici. La texture è un altro modo per utilizzare il principio del contrasto nella fotografia. Includere due o più texture in una fotografia non solo introduce tattilità, crea un senso di luogo.,
Una goccia d’acqua rotonda appoggiata sui viticci sfocati di una pianta è un esempio di un soggetto testualmente contrastante.
Il soggetto contrastante porta la narrazione a una fotografia. Puoi anche provare a giustapporre attributi come nitidezza e morbidezza, vecchi e nuovi o curvi e dritti.
2., Unity
Unity descrive la relazione visiva tra gli elementi in una fotografia. Aiuta a creare un’immagine coesa.
Utilizzando colori o toni simili, concetti o elementi coltiva un senso di unità.
La disunione è l’opposto. Il cattivo ritaglio, le prospettive scomode o l’eccessiva e sottoesposizione interrompono un’immagine e possono causare disunione.
Un altro aspetto che sta alla base di un’immagine unificata è la chiara idea di un risultato fotografico. Un risultato fotografico, o obiettivo, è l’immagine mentale idealizzata di una fotografia prima che venga scattata.,
Pre-visualizzando un risultato, un fotografo può sviluppare un’idea più chiara dello scopo di una fotografia. Questo, a sua volta, consente a un fotografo di prendere un maggiore controllo dell’immagine.
1. Movimento
Il termine ‘movimento’ in fotografia spesso descrive la relazione tra la velocità dell’otturatore della fotocamera e un soggetto., Quando si tratta di arte e design, il movimento si riferisce al percorso che l’occhio dello spettatore prende durante la lettura di una fotografia.
Il movimento è modellato dagli elementi e dai principi dell’arte e del design. Un fotografo può prendere il controllo del modo in cui uno spettatore assorbe una fotografia.
Ad esempio, l’uso della linea nella fotografia crea ‘autostrade visive’ che guidano l’occhio di uno spettatore.
Le linee frastagliate creano eccitazione, spostando lo sguardo dello spettatore da un punto all’altro. Le linee curve sono più sottili. Questi riducono la velocità con cui viene visualizzata una fotografia.,
Comprendere la natura e la psicologia della vista umana è una parte importante del controllo del movimento. Ad esempio, l’occhio umano è più sensibile a determinati colori rispetto ad altri.
Il rosso attira l’attenzione. Il blues morbido è più delicato e più sottile. Il movimento può essere diretto attraverso l’uso selettivo del colore e della saturazione.
Ci sono molti modi diversi per guidare l’occhio dello spettatore attraverso una fotografia. Il movimento studia la natura dell’occhio e la psicologia dietro il modo in cui assorbiamo le informazioni visive.,
Conclusione
I sette principi dell’arte e del design nella fotografia; equilibrio, ritmo, pattern, enfasi, contrasto, unità e movimento, costituiscono il fondamento delle arti visive.
Utilizzando i sette principi consente di prendere un maggiore controllo della vostra pratica fotografica. Ciò porterà a foto migliori e più opportunità fotografiche.
