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jetez un oeil aux images ci-dessous. Sur l’image de gauche, remarquez comment l’oiseau est placé trop près du bord du plan de l’image. Le bord de la branche en haut est également trop proche du côté gauche du plan de l’image.

dans la deuxième image, il y a suffisamment d’espace prévu des deux côtés du plan de l’image pour fournir un peu d’équilibre résultant en une meilleure composition.,

Si nous positionnons les sujets dans nos œuvres de sorte que leurs bords se terminent un peu plus loin des bords du plan de l’image ou s’étendent bien au-delà des limites du plan de l’image, alors ce poids visuel est minimisé.

nous devrions également considérer chacun des bords du plan de l’image. Si nous avons des éléments qui s’étendent sur le plan de l’image sur deux côtés, nous pouvons créer trop de poids visuel sur ces deux côtés. Mais, si nous permettons aux sujets de s’étendre du plan de l’image sur les quatre côtés, nous pouvons créer une composition plus équilibrée.,

Mouvement

le Mouvement peut se référer à l’illusion de réel mouvement de dessin ou de peinture; ou il peut se référer au mouvement que l’œil du spectateur lorsque l’expérience de votre art. En termes de composition, nous sommes plus préoccupés par ce dernier.

Lorsqu’un spectateur interagit avec votre art, ses yeux se déplacent d’un élément à l’autre. Habituellement, l’élément le plus commandant exige une attention immédiate. Après cela, le spectateur peut passer à d’autres éléments de soutien dans la scène.

en tant qu’artistes, nous pouvons contrôler ce « mouvement des yeux” en fonction de la façon dont nous planifions notre composition., Nous pouvons guider le spectateur vers les éléments les plus importants et contrôler plusieurs fois comment la plupart des gens vont « ingérer” notre création. Dans la plupart des cas, nous voulons que l’œil du spectateur traverse l’œuvre dans un certain oder.

selon le sujet, l’ordre peut ressembler à ceci

1. Le spectateur est attiré dans l’œuvre.
2. Le spectateur est guidé vers le ou les points focaux.
3. Le spectateur est guidé vers les éléments de support.
4. Le spectateur est guidé hors de l’œuvre ou de retour au point focal.,

Ce mouvement visuel est généralement réalisé en créant du contraste, des lignes directrices, des diagonales et des éléments qui se chevauchent.

jetez un oeil au travail ci-dessous. Lorsque vous l’examinez, prenez note de la façon dont vos yeux se déplacent à travers le travail.

peut-être que votre œil suivi un parcours similaire au mien. Je suis entré dans l’œuvre au fond de la vallée, près du ruisseau. J’ai été guidé par la ligne d’arbres plus sombres jusqu’au centre de l’espace pictural, puis de nouveau dans la forêt., J’ai ensuite suivi la ligne des arbres, juste en face des montagnes lointaines. À partir de là, j’ai été guidé vers le centre.

le positionnement de ces éléments m’a permis de voir toutes les parties importantes de l’œuvre, tout en appréciant chaque section du tableau seule.

Nous pouvons utiliser les mêmes techniques pour avoir un peu de contrôle sur la façon dont un spectateur interagit avec notre art. Bien que nous ne puissions pas contrôler complètement la façon dont les gens verront notre art, nous pouvons avoir une certaine influence sur leur expérience visuelle.,

rythme

Nous comprenons le rythme par la répétition. Par exemple, nous pouvons entendre le rythme d’une chanson et son rythme parce qu’elle se répète – plusieurs fois de manière prévisible. Sans répétition, il n’y a pas de rythme.

Dans l’art, la même chose est vraie. Nous devons avoir la répétition pour avoir le rythme. Visuellement, le rythme est créé en répétant des éléments. Il peut s’agir d’un motif régulier ou irrégulier de formes répétitives ou d’une répétition d’un sujet spécifique. Quoi qu’il en soit, la répétition d’éléments produit un rythme.

jetez un oeil à la peinture ci-dessous. Remarquez comment il a un sens du rythme.,

Ce rythme est créé par la répétition. Nous pouvons voir ici comment les formes créées pour les lames de les fleurs sont répétées…

Et les formes pour les petites fleurs dans le coin supérieur gauche…

Les formes créées pour les iris ne sont pas différents. Ils répètent également…

un élément répétitif dans une œuvre est souvent appelé « motif”., Y compris d’un motif dans votre travail peut souvent conduire à un sentiment d’harmonie et d’unité.

revenons à la musique analogie. La plupart des chansons populaires présentent un rythme constant tout au long de la chanson. La dynamique de la chanson peut changer, mais la signature temporelle le fait rarement. Et même si les notes peuvent changer radicalement, le rythme cohérent unifie la chanson du début à la fin.

nos œuvres doivent avoir cette cohérence, ce qui nous conduit aux principes suivants: l’harmonie et l’unité.

harmonie et unité

nos compositions artistiques doivent également être harmonieuses et unifiées., L’harmonie et l’unité sont si étroitement liés qu’il est facile de supposer qu’ils sont la même chose. Ils sont très similaires, mais chacun doit être considéré séparément dans nos compositions.

L’unité traite d’un sentiment d ‘ « Unité”. Ceci est généralement accompli dans une œuvre d’art en utilisant le support d’une manière cohérente et à un niveau d’achèvement. Nous pouvons également penser à l’unité en termes de style artistique. Si le style et l’utilisation des médias sont systématiquement utilisés dans une œuvre et que l’œuvre semble complète et terminée, nous pouvons généralement dire que l’œuvre est unifiée.,

L’unité peut également être créée dans une œuvre par simplification. Cela peut être réalisé en simplifiant les formes, les sujets ou les schémas de couleurs.

Le travail ci-dessous est unifié et harmonieux pour un certain nombre de raisons. La façon la plus évidente de l’unifier est l’utilisation de la couleur.

Harris a simplifié le schéma de couleur et utilisé principalement les couleurs complémentaires de rouge et de vert. Le vert est très terreux, mais toujours présents.,

l’Harmonie contribue à créer l’unité dans la un travail. Alors que l’unité traite de l’œuvre d’art dans son ensemble, l’harmonie traite plus avec les parties individuelles du travail. Si les différentes parties de la pièce travaillent toutes ensemble, alors l’art pourrait être considéré comme harmonieux.

une Autre façon de penser, c’est de considérer une famille. Une famille est composée de différents membres. Regardons une famille dans un sens traditionnel pour cette analogie. Une famille peut avoir un père, une mère, un fils et une fille., Chaque membre de la famille est différente et c’est leur propre personne, mais la famille est une unité. Certaines familles s’entendent bien entre elles, d’autres non.

nous pouvons créer harmonie et unité dans nos compositions en Using

• utilisant le médium de manière cohérente tout au long de l’œuvre.
• simplifier les formes, les sujets ou les schémas de couleurs.
• En utilisant un style cohérent tout au long de l’œuvre.
• S’assurer que le travail semble terminé.
• S’assurer que chaque partie individuelle de la pièce fonctionne (et a du sens) avec les autres parties.,

emphase

Nous utilisons souvent l’emphase pour définir le ou les points focaux d’une composition. Nous avons déjà discuté de plusieurs façons dont un artiste peut créer un point focal au sein d’une œuvre. Chacune de ces méthodes repose sur l’accent pour son succès. L’accent est généralement créé dans une œuvre par une certaine forme de contraste.

jetez un oeil au travail ci-dessous. Que pensez-vous est souligné?

la Plupart d’entre nous sont tirés de la femme dans la scène, plus précisément à son visage., Degas a attiré notre attention sur elle en utilisant plusieurs méthodes. Pour commencer, elle est située au centre du plan photo. Il y a aussi un fort contraste de valeur autour d’elle. Remarquez comment l’homme à côté d’elle est habillée en noir, alors qu’elle porte blanche. Il y a même une ombre sombre sur le mur juste à côté de son visage clair.

ensuite, il y a les lignes de convergence créées par les tables et le bord arrière du banc.

Vous remarquerez également que le visage de la femme a plus de détails par rapport aux autres éléments de la scène. Cela aide également à attirer l’œil du spectateur.,

Toutes ces caractéristiques contribuent à influencer la façon dont nous interagissons avec le sujet.

Divers

Comme l’accent, de la variété traite également de la différence. Nos dessins et peintures devraient inclure une certaine variété.

considérez votre nourriture préférée pour un moment. Maintenant, considérez ce que serait la vie si vous deviez manger votre nourriture préférée pour chaque repas pour le reste de votre vie. Pour le petit déjeuner, le déjeuner et le dîner – vous avez votre nourriture préférée et rien d’autre. C’est peut – être génial le premier jour-mais après cela, vous deviendriez très fatigué de votre nourriture préférée.,

nous pouvons penser nos œuvres de la même manière. Nous ne voulons pas ennuyer notre spectateur avec la même information visuelle. Au lieu de cela, nous devrions inclure une certaine variété pour les garder engagés et rendre nos œuvres plus intéressantes.

L’astuce ici est d’équilibrer à la fois l’harmonie et de la variété. Si nous prenons la variété trop loin, le travail ne sera probablement pas harmonieux. Si nous prenons l’harmonie trop loin, l’œuvre peut manquer de variété.

jetez un oeil à l’image ci-dessous., Remarquez combien de variété est présente

Kandinsky a créé la variété en utilisant une large gamme de couleurs, mais a gardé la peinture unifiée par simplification.

l’Espace Positif et Négatif

l’Espace est l’un des sept éléments de l’art. Lorsque nous pensons à l’espace, nous le considérons souvent en termes de profondeur ou d’illusion de profondeur dans un dessin ou une peinture., Cependant, en matière de composition, nous pouvons penser l’espace en termes d’espace pictural réel sur la surface du dessin ou de la peinture.

l’espace occupé par des sujets importants ou des éléments de conception est considéré comme un espace positif. Les zones qui entourent ces emplacements sont considérées comme un espace négatif. Souvent, c’est l’espace négatif qui fournit une zone de « repos” au spectateur.

regardez les images ci-dessous. Nous voyons d’abord l’image originale à gauche. Dans l’image du milieu, l’espace négatif est surligné en rouge., Dans le troisième, nous voyons l’espace positif surligné en rouge.

l’espace Positif et négatif de travailler ensemble pour créer la composition. Une composition peut être composée d’un espace principalement positif, d’un équilibre pair des deux, ou d’un espace principalement négatif.,

L’image suivante illustre une composition faite de la plupart positives de l’espace…

Voici un exemple de composition de l’égalité des parties de l’espace positif et négatif…

Et voici un fait de la plupart de l’espace négatif…

Chacun de ces compositions est dérivée à partir de la même matière et chacun peut être considéré comme « réussie”.

L’utilisation réussie de l’espace positif et négatif dans une composition dépend de l’équilibre., La façon dont cet équilibre est atteint dépendra du sujet, de l’utilisation du médium, du niveau de détail inclus, du contraste et d’autres facteurs visuels.

la meilleure façon de créer un équilibre dans une œuvre et de s’assurer que l’espace positif et négatif fonctionne pour le bien de la composition est par une planification minutieuse.

planifier votre Composition

la planification est peut-être l’aspect le plus important pour réussir vos compositions. Malheureusement, c’est l’étape que la plupart des gens sautent complètement.

disons que vous décidez de partir en voyage sur la route à un endroit que vous n’avez jamais été auparavant., Cela n’aurait pas de sens de simplement faire vos valises, de monter dans la voiture et de partir sans savoir comment se rendre à destination. Vous prendrez probablement un coup d’oeil à une carte ou entrez votre destination dans votre système de navigation. Vous n’arriverez jamais à destination sans une certaine forme de préparation et de conseils.

De la même manière, nous devons planifier nos compositions avant de tenter de les exécuter. Nous devons savoir « où nous allons » avec nos œuvres. Nous devrions planifier le résultat final avant de commencer à le créer., Nous pouvons changer nos idées pendant que nous travaillons si nous le souhaitons, mais nous devrions avoir une idée générale de ce à quoi nous voulons que le travail fini ressemble avant de plonger.

en planifiant, nous pouvons résoudre tous les puzzles de composition qui entrent dans la fabrication d’une œuvre d’art forte. Lorsque nous faisons cela, nous pouvons nous concentrer sur le processus réel du dessin et de la peinture puisque la plupart de nos décisions concernant la composition ont déjà été prises.

dans la plupart des cas, la planification d’une composition implique la création de petits dessins qui manquent de détails. Ces petits dessins sont souvent appelés vignettes ou croquis préliminaires., Les vignettes doivent être créées rapidement et doivent être abordées avec une attitude d’expérimentation. Plus vous créez de vignettes avant de commencer sur la surface finale, meilleures sont vos chances de créer une composition réussie.

lorsque vous créez des vignettes, être ouvert à essayer des choses différentes. Expérience avec le positionnement des sujets et à l’équilibre de l’espace positif et négatif. Considérez comment l’œil d’un spectateur peut se déplacer à travers l’œuvre. Essayez des compositions à base verticale et comparez-les avec des compositions horizontales., Expérimentez avec différentes couleurs. Gardez votre esprit ouvert.

Plusieurs fois, nous avons une vision dans nos esprits de ce que nous voulons créer et naturellement supposer que c’est cette vision qui est la plus réussie. Cependant, dans la plupart des cas, notre vision première est que la « pointe de l’iceberg”. Avec un peu plus de” creuser », notre vision originale évolue vers quelque chose de beaucoup plus réussi. Cela ne se produit que lorsque nous sommes ouverts à l’expérimentation et que nous prenons le temps de planifier.,

La Règle des Tiers

La règle des tiers est une théorie de la composition qui est basé sur le placement des sujets dans une composition. Il est basé sur la moyenne D’or, qui est une formule mathématique qui traite des relations proportionnelles. Comme le Juste Milieu est assez complexe, la plupart des artistes et des photographes s’appuient sur la règle des tiers pour créer un effet similaire.

Voici comment cela fonctionne

prenons une composition et divisons – la par tiers-horizontalement et verticalement. Nous pouvons imaginer des lignes qui courent le long de chacun des tiers., Ces lignes se croisent à quatre endroits dans le plan de l’image. En plaçant des sujets importants ou des points focaux sur ou à proximité de ces endroits d’intersection, nous créons une composition plus esthétiquement réussie.

Remarquez comment Guillaumin a placé la figure presque directement sur l’un de ces points.

nous pouvons également créer des compositions plus dynamiques et intéressantes en plaçant des sujets directement sur ces lignes.,

création de diagonales

Les Compositions peuvent être dynamiques ou statiques. Les compositions statiques sont assez simples et directes. Une composition statique a du sens pour une image informationnelle-comme une illustration scientifique. En revanche, une composition dynamique crée un plus grand sens de l’histoire et engage le spectateur. Dans la plupart des cas, nous voulons que nos compositions dynamiques.

des compositions dynamiques peuvent être créées en incorporant des diagonales dans l’œuvre. Ces diagonales peuvent être créées avec des lignes et des formes réelles ou des lignes implicites., Ils peuvent également être utilisés pour aider à guider l’œil d’un spectateur à travers l’œuvre, comme nous en avons discuté précédemment.

Chercher des façons intéressantes d’inclure des diagonales dans votre travail. Cela peut signifier que vous modifiez l’angle du point de vue du spectateur. Au lieu de dessiner ou de peindre les sujets d’un point de vue standard, considérez la vue d’en haut ou d’en bas, ou même d’un angle incliné.,

les Nombres Impairs Sont Mieux

Lorsque nous composons nos œuvres, nous devrions également considérer le nombre de sujets ou d’éléments qui nous comprennent. L’esprit humain trouve l’équilibre dans les nombres impairs. La plus optimale est de 3. Cela signifie que si vous composez une nature morte, il est préférable d’utiliser 3 objets. Cela ne signifie pas que nous sommes limités à 3 objets. Nous pouvons, bien sûr, plus si nous le souhaitons. Mais si nous incluons plus, les nombres impairs sont les meilleurs.

considérons une image avec deux objets. Avec deux objets, il semble y avoir une sorte de compétition visuelle entre les deux., Il est difficile de décider quel sujet est le point focal.

cependant, lorsque nous incluons un troisième, les deux autres sujets agissent pour encadrer le troisième, ce qui donne une composition plus équilibrée.

Conclusion

Composition n’est pas « conjectures”. Une grande composition n’est pas le résultat de la chance et ce n’est certainement pas une question de talent. Il s’agit de comprendre comment un spectateur interagira visuellement avec ce que nous créons et une planification minutieuse.

Nous avons couvert un peu ici. C’est beaucoup d’informations à tremper dans., Mais en pratiquant ces concepts et en les intégrant dans vos œuvres, ils deviendront progressivement intuitifs et vos compositions s’amélioreront.