en tant qu’écrivain, je me suis essayé à de nombreux types de narration; mais étant une personne plus visuelle, je me suis retrouvé attiré par les scripts, à la fois pour la scène et l’écran.
Si vous êtes ici, cela signifie probablement que vous avez essayé de googler « play format” et que vous avez eu un tas de formats différents et déroutants — je sais que je l’ai fait quand j’ai essayé de le comprendre par moi-même. « Format britannique? » »La Radio joue? » »Où va le dialogue? »
chaque source que j’ai regardée semblait différente., Mais après avoir suivi un cours universitaire dans le métier et complété mes propres scripts courts, j’ai pensé le décomposer en un guide beaucoup plus simple. Quelques conseils rapides avant d’arriver au nitty-gritty:
Courier, ou Courier New, sont généralement vos polices de référence
12pt. taille tout au long, simple interligne (et pas d’espaces supplémentaires avant ou après vos paragraphes)
bien sûr, si la société de production à laquelle vous envoyez le script l’aime d’une certaine manière, assurez-vous toujours de suivre leurs instructions. Ce guide est censé être un format général qui devrait fonctionner pour la plupart des endroits.,
Si vous aimez voir les choses dans un format d’image plus grand, l’image en bas montre à quoi tout cela ressemble mis ensemble. Pour un guide étape par étape, continuez à lire.
page de titre:
c’est assez simple; votre titre va ici, avec votre nom en tant qu’auteur (si vous l’écrivez avec quelqu’un, vous le mettrez également là)., Qu’il soit centré ou non dépend de la façon dont les personnes à qui vous le soumettez l’aiment, mais je trouve qu’une bonne règle de base est de rester simple; aligné à gauche, avec un deux-points et une courte description de la durée, comme ceci:
exemple de titre du Script: un jeu X-Act par
créez une nouvelle page et continuez jusqu’à la distribution Page
page de distribution:
c’est aussi assez simple; listez vos personnages, alignés à gauche (de préférence avec leurs noms en gras pour les faire ressortir), suivi d’une courte description d’entre eux., J’ai vu des formats où les descriptions sont sur une colonne distincte, mais à moins que la société de production à laquelle vous l’envoyez ne l’aime de cette façon, vous serez très bien en gardant tout cela dans une colonne, alignée à gauche.
vous n’avez pas besoin de mettre toute leur histoire de vie, ou un profil de personnalité complet, juste quelques descripteurs de base, comme ceci:
personnage 1: A , X ans, travaillant comme a;
suivi du numéro de scène, comme ceci:
acte , scène
Si vous écrivez une courte pièce qui n’a qu’un seul acte (qui est généralement entre 30-60 pages), alors mettez simplement le numéro de scène.,
Paramètres:
en dessous, vous voudrez votre réglage; je mets généralement « réglage” en majuscules, pour le faire ressortir, mais vous n’avez pas à le souligner ou le mettre en gras fonctionnera également. Décrivez brièvement votre réglage-ne vous inquiétez pas, vous aurez le temps d’entrer dans les détails dans la ligne suivante.
C’est la partie où vous définissez la scène (littéralement). Sous votre « paramètre », vous voudrez le mettre en retrait (je recommande d’utiliser le bouton” augmenter le retrait » de votre programme d’écriture, au lieu de tab, car il s’assure que chaque ligne est mise en retrait du même montant).,
mettez-le en italique, puis entrez dans autant (ou aussi peu) de détails que vous le souhaitez. Pensez à où nous sommes – sommes-nous dans une maison? Quelle pièce de la maison? Quel genre de meubles y a-t-il? D’où viennent les portes de conduire? Même si les portes sont techniquement hors scène, elles mènent quelque part dans la « maison. »
généralement, plus de détails vaut mieux que trop peu, car cela aide le réalisateur et le scénographe à savoir ce que vous voulez dire — rappelez-vous, votre travail en tant qu’écrivain est d’être clair sur ce qui est vu et comment vous avez l’intention de le voir; voulez-vous que la porte sur scène mène directement à la cuisine?, Dites – le, afin que les futures productions sachent ce que vous voulez dire.
arriver à L’Action:
Après avoir défini la scène, accédez à une nouvelle ligne et conservez cette même indentation. Vous voudrez une sorte d’action ici avant de vous lancer dans un dialogue. Si deux personnages se rencontrent quelque part, peut-être que l’un entre (de la scène à droite ou à gauche) et s’approche de l’autre. Sont-ils déjà assis à une table? Gardez-le court, mais direct.,
Une fois que vous savez où sont vos personnages par rapport au décor, vous pouvez commencer le dialogue
Dialogue:
avant de pouvoir avoir un dialogue parlé, vous devrez dire quel personnage parle. Il suffit de mettre leur nom en majuscules, alignées au Centre (pas besoin de deux points).
en dessous, aligné à gauche, mettre leur dialogue. L’alignement à gauche est important ici, car il est différent des scénarios., Cela devrait ressembler à ceci:
caractère 1 (aligné au centre)
(aligné à gauche)
fin de la scène:
Une fois que votre dialogue est terminé pour cette scène, créez une nouvelle ligne et mettez-la en retrait comme vous l’avez fait pour l’action; c’est là que vous décrirez comment vos personnages quittent
Une fois votre scène terminée, il est bon de mettre une ligne « lights go down” (dans le même format que l’action), afin que l’équipe de production sache que la scène est vraiment terminée et qu’elle puisse commencer à se préparer pour la prochaine.
Et that c’est à peu près tout., Continuez à parcourir les événements de votre script, en changeant les numéros d’acte/scène au fur et à mesure de votre progression. Quelques petites choses à garder à l’esprit
Autres Notes:
Si votre personnage fait une action en parlant, ou en parlant à une hauteur ou un volume différent de la normale, vous pouvez utiliser des italiques et (parenthèses), alignés au centre sous le nom du personnage, pour le montrer., Ma règle personnelle est, si un personnage chuchote, écrivez-le comme ceci:
caractère 1
(chuchotant)
Mais s’il se lève d’une table ou fait quelque chose qui nécessite plus de mouvement, il est préférable de le mettre sur une ligne différente et de l’aligner à gauche, comme vous le feriez pour toute autre action.
Si votre dialogue coule assez bien, vous ne devriez pas avoir besoin de mettre trop de choses comme « avec colère” ou « fort”; celles-ci seront évidentes par le ton ou la ponctuation., Mais des choses comme « dans un ton aigu” ou « imiter untel” ou « casser la voix” pourraient devoir être mises en place si vous voulez que le plein effet soit réalisé par l’acteur.
Une autre règle empirique: ne décrivez pas une action pour indiquer le changement de ton d’un personnage. Par exemple, si vous voulez que votre personnage change de ton et commence à être froid et standoff-ish, vous pourriez être tenté de dire,
le personnage 1 croise ses jambes (ou plie ses bras, ou un autre indicateur physique)
puis continuez avec le dialogue.,
puisque votre acteur va exécuter les lignes (généralement) comme il le souhaite, vous voudrez laisser des choses comme ça ouvertes. Une meilleure façon d’y penser serait de décrire comment le ton ou le comportement du personnage change, pas ce qu’ils font physiquement.
Donc au lieu de la description précédente, essayez,
Caractère 1 devient froid et distant.
cela laisse l’acteur libre d’interpréter cela et d’y apporter sa propre performance physique, et cela garantit que le réalisateur sait ce que vous voulez arriver.,
pour la fin:
lorsque vous atteignez la fin, c’est une bonne idée d’avoir une ligne « The lights go down” comme dans vos autres scènes, puis en bas, aligné à gauche, il suffit de mettre « the End”; cela peut être en gras si vous voulez, ou en majuscules, mais il doit se démarquer, de sorte que tout le monde le lisant sait que
Pour un look à tout cela mis ensemble, cette image pourrait être un modèle utile:
