développement précoce en Italie
La Sonate dans toutes ses manifestations a des racines qui remontent bien avant les premières utilisations du nom actuel. Ses sources ultimes sont dans la polyphonie chorale (musique ayant plusieurs lignes mélodiques égales, ou voix) de la fin de la Renaissance. Cela a à son tour puisé à la fois dans des sources liturgiques et profanes—sur l’ancien système de tons ou de modes du chant grégorien, et sur la musique folklorique européenne médiévale. Ces deux lignes ont été constamment entrelacement., Les airs populaires, par exemple, ont été utilisés comme point de départ pour les messes et autres compositions religieuses du 15ème au début du 17ème siècle. Les éléments sacrés et profanes ont influencé le développement de la sonate et de la partita (ou suite) de la période Baroque.
Les procédures musicales spécifiques qui devaient finalement être caractéristiques de la Sonate ont commencé à apparaître clairement dans les œuvres des compositeurs vénitiens de la fin du XVIe siècle, notamment Andrea Gabrieli et Giovanni Gabrieli., Ces compositeurs ont construit des pièces instrumentales en courtes sections de tempo contrasté, un schéma qui représente à l’embryon la division en mouvements de la Sonate ultérieure. Cette approche ne se retrouve pas seulement dans les œuvres intitulées « Sonate », comme la Sonate pian’ e forte (Sonate douce et forte) de Giovanni Gabrieli de 1597, qui a été l’une des premières œuvres à spécifier l’instrumentation en détail; la fantasia instrumentale et la canzona, une forme instrumentale dérivée de la chanson Ou chanson profane française, présentent une structure, Comme les premières sonates, elles étaient souvent contrapuntiques (construites par le contrepoint, l’imbrication de lignes mélodiques dans les différentes voix, ou parties). À ce stade, les sonates, les fantaisies et les canzonas étaient souvent indiscernables les unes des autres, et du ricercare fuguelike, bien que cette forme soit généralement plus grave dans le caractère et plus strictement contrapuntique dans la technique.,
Au 17ème siècle, les instruments à cordes éclipsaient les vents, qui avaient joué un rôle au moins aussi important dans les sonates et canzonas composés par les Gabrielis pour les grandes galeries de la Basilique San Marco de Venise. Claudio Monteverdi consacre plus d’énergie à la composition vocale qu’à la composition instrumentale. Le développement de l’écriture instrumentale—et des formes musicales instrumentales—est de plus en plus porté par des violonistes virtuoses. L’un d’eux était Carlo Farina, qui a passé une partie de sa vie au service de la Cour de Dresde, et y a publié un ensemble de sonates en 1626., Mais le couronnement de cette première école de violonistes-compositeurs était Arcangelo Corelli, dont les sonates publiées, à partir de 1681, résument le travail italien dans le domaine à ce jour.
outre leur influence sur le développement de la technique du violon, reflétée dans les œuvres de violonistes-compositeurs ultérieurs tels que Giuseppe Torelli, Antonio Vivaldi, Francesco Maria Veracini, Giuseppe Tartini et Pietro Locatelli, les sonates de Corelli sont importantes pour la façon dont elles clarifient et aident à définir les deux directions que la Sonate devait prendre., À ce stade, la Sonate da chiesa, ou Sonate d’Église, et la Sonate da camera, ou sonate de chambre, sont apparues comme des lignes de développement complémentaires mais distinctes.
La sonata da chiesa se compose généralement de quatre mouvements, dans l’ordre lent–rapide–lent–rapide. Le premier mouvement rapide a tendance à être vaguement fugué (en utilisant l’imitation Mélodique contrapuntique) dans le style, et reflète donc, le plus clairement des quatre, les racines de la Sonate dans la fantasia et canzona. Le dernier mouvement, en revanche, est plus simple et plus léger, souvent peu différent du style de danse typique de la sonata da camera., La sonata da camera est tout à fait moins grave et moins contrapuntique que la sonata da chiesa, et elle a tendance à se composer d’un plus grand nombre de mouvements plus courts dans le style de la danse. Si la sonata da chiesa était la source à partir de laquelle la Sonate Classique devait se développer, sa cousine courtoise était l’ancêtre direct de la suite, ou partita, une succession de courtes pièces de danse; et au 18ème siècle, les Termes suite et partita étaient pratiquement synonymes de sonata da camera., Les deux courants représentés par les sonates d’Église et de chambre sont la manifestation, au début du Baroque, des sources liturgiques et profanes trouvées dans la musique de la Renaissance. Le style Baroque a prospéré dans la musique d’environ 1600 à environ 1750. Jusqu’au milieu du 18ème siècle, les deux influences ont maintenu un haut degré d’indépendance; pourtant, l’injection de mouvements de danse dans les exemples plus légers de la sonata da chiesa et la pénétration du contrepoint dans les suites plus sérieuses et la sonate da camera montrent qu’il y a toujours eu une fertilisation croisée.,
Une autre caractéristique de la Sonate Baroque que le travail de Corelli a contribué à stabiliser était son instrumentation. Vers 1600, la révolution musicale qui a commencé en Italie avait déplacé l’accent de la polyphonie à voix égale de la Renaissance et l’avait placé plutôt sur le concept de monodie, ou lignes solo avec accompagnements subordonnés. L’influence relativement statique des anciens modes de l’église a été remplacée par le principe d’organisation plus dramatique du système de clés majeur–mineur avec son utilisation du contraste des clés., Bien que le contrepoint ait continué à jouer un rôle central dans la structure musicale pendant encore cent ans et plus, il est devenu un contrepoint qui a pris en compte avec soin les implications de l’harmonie et des accords dans le cadre des clés majeures et mineures.
dans ce contexte, le continuo, ou basse complète, a pris une importance primordiale. Les compositeurs qui utilisaient une partie de continuo n’écrivaient en totalité que les parties des instruments de la mélodie supérieure., L’accompagnement, qui était la partie continue, était donné sous la forme d’une ligne de basse, parfois complétée par des chiffres, ou des figures, pour indiquer les principaux détails de l’harmonie, d’où le terme de basse figurée. Le continuo a été « réalisé », ou donné sa forme exécutée, par un instrument à mélodie basse (viole, le violone plus grave, ou plus tard violoncelle ou basson) en collaboration avec un orgue, un clavecin ou un luth. L’instrument collaborateur improvisait les harmonies indiquées par les figures ou implicites par les autres parties et comblait ainsi l’écart entre les lignes d’aigus et de basses.,
dans L’œuvre de Corelli, les sonates « solo”, pour un violon avec continuo, se trouvent aux côtés d’autres pour deux violons et continuo décrites comme des sonates a tre (« pour trois”). Ces sonates a tre sont les premiers exemples de la Sonate en trio qui était la principale forme de musique de chambre jusque vers 1750. L’utilisation du terme trio pour les sonates jouées par quatre instruments n’est que superficiellement paradoxale: bien que les sonates en trio aient été jouées par quatre instruments, elles étaient considérées comme en trois parties—deux violons et continuo., De plus, l’instrumentation spécifique à cette période était en grande partie une question de choix et de circonstances. Les flûtes ou les hautbois peuvent jouer les parties de violon, et si le clavecin ou le violoncelle ou leurs substituts ne sont pas disponibles, la pièce peut être jouée avec un seul d’entre eux représentant le continuo. Mais un continuo complet a été préféré.
L’importance de Corelli est autant historique que musicale. Peut-être parce qu’une lignée vigoureuse de compositeurs italiens de musique pour violon l’a suivi, on lui attribue généralement le principal crédit pour les développements de la fin du 17ème siècle dans le style Sonate., Mais sa contribution indéniablement vitale ne doit pas détourner l’attention d’un travail tout aussi important qui a été fait au cours de la même période en dehors de l’Italie.
