Electronic dance music (Français)

divers genres EDM ont évolué au cours des 40 dernières années, par exemple; house, techno, dance-pop etc. La variation stylistique au sein d’un genre EDM établi peut conduire à l’émergence de ce qu’on appelle un sous-genre. L’hybridation, où des éléments de deux genres ou plus sont combinés, peut conduire à l’émergence d’un genre entièrement nouveau D’EDM.

précurseurs

à la fin des années 1960, des groupes tels que Silver Apples créent de la musique électronique destinée à la danse., D’autres premiers exemples de musique qui ont influencé la musique de danse électronique plus tard incluent la musique Dub jamaïcaine de la fin des années 1960 à 1970, la musique disco à base de synthétiseur du producteur italien Giorgio Moroder à la fin des années 1970, et l’électro-pop de Kraftwerk et Yellow Magic Orchestra au milieu à la fin des années 1970.,

DubEdit

L’auteur Michael Veal considère la musique dub, une musique jamaïcaine issue du reggae roots et de la culture sound system qui a prospéré entre 1968 et 1985, comme l’un des précurseurs importants de la musique de danse électronique contemporaine. Les productions Dub étaient des morceaux reggae remixés qui mettaient l’accent sur le rythme, des éléments lyriques et mélodiques fragmentés et des textures réverbérantes., La musique a été lancée par des ingénieurs de studio, tels que Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee « Scratch » Perry et Scientist. Leurs productions comprenaient des formes de montage sur bande et de traitement du son que Veal considère comme comparables aux techniques utilisées dans musique concrète. Les producteurs de Dub ont fait des déconstructions improvisées de mixages reggae multipistes existants en utilisant la table de mixage studio comme instrument de performance. Ils ont également mis en avant des effets spatiaux tels que la réverbération et le retard en utilisant des routages d’envoi auxiliaires de manière créative., Le Roland Space Echo, fabriqué par Roland Corporation, a été largement utilisé par les producteurs de dub dans les années 1970 pour produire des effets d’écho et de retard.

malgré l’équipement électronique limité disponible pour les pionniers du dub tels que King Tubby et Lee « Scratch » Perry, leurs expériences dans la culture du remix étaient musicalement avant-gardistes. Ambient dub a été lancé par King Tubby et d’autres artistes sonores jamaïcains, en utilisant une électronique ambiante inspirée du DJ, avec des abandons, des échos, des égalisations et des effets électroniques psychédéliques., Il comportait des techniques de superposition et incorporait des éléments de musique du monde, des lignes de basse profondes et des sons harmoniques. Des Techniques telles qu’un long délai d’écho ont également été utilisées.

Hip hopmodifier

La musique Hip hop a eu une certaine influence dans le développement de la musique de danse électronique depuis les années 1970. inspiré par la culture jamaïcaine sound system DJ Jamaïcain-américain Kool Herc a introduit de grandes plates-formes de haut-parleurs Ses soirées sont créditées d’avoir lancé le mouvement hip-hop New-Yorkais en 1973., Une technique développée par DJ Kool Herc qui est devenue populaire dans la culture hip hop était de jouer deux copies du même disque sur deux platines, en alternance, et au point où une piste comportait une pause. Cette technique a en outre été utilisée pour boucler manuellement une pause purement percussive, conduisant à ce qui a été appelé plus tard un rythme de pause.

le Turntablism a ses origines dans L’invention de la platine à entraînement direct, par Shuichi Obata, un ingénieur de Matsushita (maintenant Panasonic)., En 1969, Matsushita la commercialise sous le nom de SP-10, la première platine vinyle à entraînement direct sur le marché et la première de leur influente série de platines Technics. Le plateau tournant le plus influent a été le Technics SL-1200, qui a été développé en 1971 par une équipe dirigée par Shuichi Obata à Matsushita, qui l’a ensuite mis sur le marché en 1972. Dans les années 1980 et 1990, les DJ hip-hop utilisaient les platines comme instruments de musique à part entière et l’utilisation virtuose s’est développée en une pratique créative appelée turntablism.,

DiscoEdit

des groupes comme Donna Summer, Chic, Earth, Wind, and Fire, Heatwave et The Village People ont contribué à définir le son disco de la fin des années 1970. En 1977, Giorgio Moroder et Pete Bellotte produisent « I Feel Love » pour Donna Summer. Il est devenu le premier succès disco bien connu à avoir une piste d’accompagnement entièrement synthétisée., D’autres producteurs de disco, le plus célèbre producteur américain Tom Moulton, se sont emparés des idées et des techniques de la musique dub (qui est venue avec la migration jamaïcaine accrue à New York dans les années 1970) pour fournir des alternatives au style à quatre sur le sol qui dominait. Au début des années 1980, la popularité de la musique disco a fortement diminué aux États-Unis, abandonnée par les grandes maisons de disques et producteurs américains. Euro disco a continué à évoluer au sein de la grande scène de la musique pop grand public.,

Synth-popEdit

Synth-pop (abréviation de ‘synthesizer pop’; également appelé ‘techno-pop’) est un sous-genre de la musique new wave qui est devenu important à la fin des années 1970 et présente le synthétiseur comme l’instrument de musique dominant. Il a été préfiguré dans les années 1960 et au début des années 1970 par l’utilisation de synthétiseurs dans le rock progressif, l’électronique, l’art rock, le disco, et en particulier le « Krautrock » de groupes comme Kraftwerk., Il est apparu comme un genre distinct au Japon et au Royaume-Uni dans l’ère post-punk dans le cadre du mouvement new wave de la fin des années 1970 au milieu des années 1980.

Les premiers pionniers de la synth-pop comprenaient le groupe japonais Yellow Magic Orchestra, et les groupes britanniques Ultravox, The Human League et Berlin Blondes. La Ligue humaine a utilisé des synthétiseurs monophoniques pour produire de la musique avec un son simple et austère., Après la percée de Gary Numan dans le UK Singles Chart en 1979, un grand nombre d’artistes ont commencé à connaître du succès avec un son basé sur un synthétiseur au début des années 1980, y compris des débutants de la fin des années 1970 comme Japan et Orchestral Manoeuvres in The Dark, et de nouveaux venus tels que Depeche Mode et Eurythmics. Au Japon, Le succès de Yellow Magic Orchestra a ouvert la voie à des groupes de synthpop tels que P-Model, Plastics et Hikashu. Le développement de synthétiseurs polyphoniques bon marché, La définition du MIDI et l’utilisation de rythmes de danse, ont conduit à un son plus commercial et accessible pour la synth-pop., Ceci, son adoption par les actes soucieux de style du mouvement New Romantic, ainsi que la montée de MTV, a conduit au succès pour un grand nombre d’actes synthpop Britanniques (y compris Duran Duran et Spandau Ballet) aux États-Unis.

l’utilisation de l’échantillonnage numérique et de la boucle dans la musique populaire a été lancée par le groupe de musique électronique japonais Yellow Magic Orchestra (YMO). Leur approche de l’échantillonnage a été un précurseur de l’approche contemporaine de la construction de la musique en coupant des fragments de sons et en les bouclant à l’aide de la technologie informatique., « Computer Game / Firecracker » (1978) interpolait une mélodie de Martin Denny et échantillonnait des sons de jeux vidéo Space Invaders. Technodelic (1981) introduit l’utilisation de l’échantillonnage numérique dans la musique populaire, en tant que premier album composé principalement d’échantillons et de boucles. L’album a été produit à L’aide de L’échantillonneur numérique LMD-649 de Toshiba-EMI, que L’ingénieur Kenji Murata a construit sur mesure pour YMO. Le LMD – 649 a également été utilisé pour l’échantillonnage par d’autres artistes synthpop japonais au début des années 1980, y compris des actes associés à YMO tels que Chiemi Manabe et Logic System.,

Dance music dans les années 1980Modifier

L’émergence de la musique de danse électronique dans les années 1980 a été façonnée par le développement de plusieurs nouveaux instruments de musique électronique, en particulier ceux de la société japonaise Roland. Le Roland TR-808 (souvent abrégé en « 808 ») a notamment joué un rôle important dans l’évolution de la musique de danse, après que « Planet Rock » (1982) D’Afrika Bambaataa, l’a rendu très populaire sur les dancefloors., La piste, qui comprenait également la ligne mélodique de Kraftwerk Trans – Europe Express, a informé le développement de la musique de danse électronique, et des sous-genres tels que Miami bass et Detroit techno, et popularisé le 808 comme un « élément fondamental du son futuriste ». Selon Slate,  » Planet Rock «  »n’a pas tant mis le 808 sur la carte que réorienté tout un monde de musique de danse post-disco ». Les Roland TR-909, TB-303 et Juno-60 ont également influencé la musique de danse électronique comme la techno, la house et l’acide.,

Post-discoEdit

pendant l’ère post-disco qui a suivi la réaction contre le « disco » qui a commencé au milieu à la fin de 1979, qui aux États-Unis ont conduit à des troubles civils et à une émeute à Chicago connue sous le nom de Disco Demolition Night, un mouvement underground de musique., Cette nouvelle scène a été vue principalement dans la région métropolitaine de New York et a été initialement dirigée par les artistes contemporains urbains qui réagissaient à la sur-commercialisation et à la disparition ultérieure de la culture disco. Le son qui a émergé provient du P-Funk le côté électronique de la disco, de la musique dub et d’autres genres. Une grande partie de la musique produite à cette époque était, comme la discothèque, destinée à un marché axé sur les célibataires. À cette époque, le contrôle créatif a commencé à se déplacer vers des maisons de disques indépendantes, des producteurs moins établis et des DJ de club., D’autres styles de danse qui ont commencé à devenir populaires pendant l’ère post-disco incluent dance-pop, boogie, electro, Hi-NRG, Italo disco, house et techno.

ElectroEdit

Au début des années 1980, electro (abréviation de « electro-funk ») émerge comme une fusion d’electro-pop, de funk et de boogie., Également appelé electro-funk ou electro-boogie, mais plus tard raccourci en electro, les pionniers Cités incluent Ryuichi Sakamoto, Afrika Bambaataa, Zapp, D. Train et Sinnamon. Les débuts du hip-hop et du rap combinés à des influences electropop allemandes et japonaises telles que Kraftwerk et Yellow Magic Orchestra ont inspiré la naissance de l’électro. Au fur et à mesure du développement du son électronique, des instruments tels que la guitare basse et la batterie ont été remplacés par des synthétiseurs et plus particulièrement par des boîtes à rythmes emblématiques, en particulier le Roland TR-808 et le Yamaha DX7., Les premières utilisations du TR-808 incluent plusieurs pistes de Yellow Magic Orchestra en 1980-1981, la piste de 1982 « Planet Rock » d’Afrika Bambaataa et la chanson de 1982 « Sexual Healing » de Marvin Gaye. En 1982, le producteur Arthur Baker, avec Afrika Bambaataa, a publié le séminal « Planet Rock », qui a été influencé par Yellow Magic Orchestra, a utilisé des échantillons Kraftwerk, et avait des battements de batterie fournis par le TR-808. Planet Rock a été suivi plus tard dans l’année par un autre disque électro révolutionnaire, « nink » de Warp 9., En 1983, Hashim crée un son électro-funk avec « Al-Naafyish (The Soul) » qui influence Herbie Hancock, résultant en son single à succès « Rockit » la même année. Le début des années 1980 a été l’apogée de l’électro. Selon L’auteur Steve Taylor,Planet Rock D’Afrika Bambaataa Sert de « modèle pour toute la musique de danse intéressante depuis ».,

House musicmodifier

Au début des années 1980, Chicago Radio jocks The Hot Mix 5 et club DJs Ron Hardy et Frankie Knuckles ont joué divers styles de musique de danse, y compris les anciens disques disco (principalement Philly disco, musique hip-hop b-boy par Man Parrish, Jellybean Benitez, Arthur Baker et John Robie, et musique pop électronique par Kraftwerk et Yellow Magic Orchestra., Certains ont fait et joué leurs propres éditions de leurs chansons préférées sur bande reel-to-reel, et parfois mélangé dans des effets, boîtes à rythmes, et d’autres instrumentation électronique rythmique. La chanson de danse électronique hypnotique « on and On », produite en 1984 par le DJ de Chicago Jesse Saunders et co-écrite par Vince Lawrence, avait des éléments qui sont devenus des incontournables du Son house précoce, tels que le synthétiseur basse Roland TB-303 et les voix minimales ainsi qu’une boîte à rythmes Roland (spécifiquement TR-808) et un synthétiseur Korg (spécifiquement Poly-61).,

« On and On » est parfois cité comme le « premier disque house », bien que d’autres exemples de cette époque, tels que « Music is the Key » de J. M. Silk (1985), aient également été cités. La musique House s’est rapidement répandue dans les villes américaines, notamment New York, Newark et Detroit, qui ont toutes développé leurs propres scènes régionales. Au milieu à la fin des années 1980, la musique house est devenue populaire en Europe ainsi que dans les grandes villes D’Amérique du Sud et D’Australie. Chicago House a connu un certain succès commercial en Europe avec des sorties telles que » House Nation  » de House Master Boyz et The Rude Boy of House (1987)., Après cela, un certain nombre de sorties inspirées de la house telles que « Pump Up the Volume » de M|A|R|R|S (1987), « Theme from S’Express » de S’Express (1988) et « Doctorin’ The House » de Coldcut (1988) entrent dans les charts pop.

L’instrumentation électronique et l’arrangement minimal de Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982) de Charanjit Singh, un album de ragas Indiens interprétés dans un style disco, anticipaient les sons de la musique acid house, mais on ne sait pas avoir eu d’influence sur le genre avant la redécouverte de l’album au 21e siècle.,

Techno, acid house, raveEdit

Au milieu des années 1980, la musique house a prospéré sur la petite île baléare D’Ibiza, en Espagne. Le son des Baléares était l’esprit de la musique émergeant de l’île à cette époque; la combinaison de vieux disques vinyles rock, pop, reggae et disco associés à une attitude « anything goes” a fait D’Ibiza une plaque tournante de l’expérimentation musicale induite par la drogue., Un club appelé Amnesia, dont le DJ résident, Alfredo Fiorito, pionnier Balearic house, était le centre de la scène. Amnesia est devenu connu à travers l’Europe et au milieu à la fin des années 1980, il attirait des gens de tout le continent.

en 1988, la house était devenue la forme de musique de club La plus populaire en Europe, l’acid house se développant comme une tendance notable au Royaume-Uni et en Allemagne la même année. Au Royaume-Uni, une sous-culture de warehouse party établie, centrée sur la scène britannique du système de son Afro-Caribéen, a alimenté Des after-parties underground qui présentaient exclusivement de la musique de danse., Toujours en 1988, L’ambiance de fête aux Baléares associée au DJ Alfredo D’Ibiza a été transportée à Londres, lorsque Danny Rampling et Paul Oakenfold ont ouvert les clubs Shoom et Spectrum, respectivement. Les deux endroits sont devenus synonymes d’acid house, et c’est pendant cette période que la MDMA a pris de l’importance en tant que drogue de fête. D’autres clubs britanniques importants comprenaient Back To Basics à Leeds, Leadmill et Music Factory de Sheffield, et la Haçienda à Manchester, où le spot de Mike Pickering et Graeme Park, Nude, était un terrain d’expérimentation important pour la musique de danse underground américaine., Le succès de la house et de l’acid house a ouvert la voie à la Techno de Detroit, un style qui a été initialement soutenu par une poignée de clubs de musique house à Chicago, New York et dans le nord de l’Angleterre, les clubs de Detroit rattrapant plus tard. Le terme Techno a été utilisé pour la première fois après la sortie d’une compilation de 10 disques/Virgin Records intitulée Techno: The Dance Sound of Detroit en 1988.,

L’une des premières productions de Detroit à recevoir une plus grande attention est « Strings of Life » (1987) de Derrick May, qui, avec la sortie précédente de May, « Nude Photo » (1987), a contribué à faire connaître la techno en Europe, en particulier au Royaume-Uni et en Allemagne, pendant le boom de la house music de 1987-1988 (voir Second Summer of Love). Il est devenu la piste la plus connue de Mai, qui, selon Frankie Knuckles, « vient d » exploser. C’était comme quelque chose que vous ne pouvez pas imaginer, le genre de pouvoir et d’énergie que les gens ont obtenu de ce disque quand il a été entendu pour la première fois., Mike Dunn dit qu’il n’a aucune idée de la façon dont les gens peuvent accepter un disque qui n’a pas de ligne de basse. »Selon le DJ britannique Mark Moore, » Strings of Life « a conduit les amateurs de clubs londoniens à accepter la house: » parce que la plupart des gens détestaient la musique house et que tout était rare groove et hip hop…Je jouais « Strings of Life » au Mudd Club et je nettoyais le sol ». À la fin des années 1980, l’intérêt pour la house, l’acid house et la techno s’est intensifié sur la scène des clubs et les amateurs de club alimentés par la MDMA, qui étaient confrontés à une heure de fermeture de 2 heures du matin au Royaume-Uni, ont commencé à chercher refuge après les heures de travail lors de soirées, En un an, à l’été 1989, jusqu’à 25 000 personnes à la fois assistaient à des soirées underground organisées commercialement appelées raves.,les années 1990Modifier

TranceEdit

la trance a émergé de la scène rave au Royaume-Uni à la fin des années 1980 et s’est développée au début des années 1990 en Allemagne avant de se répandre dans le reste de L’Europe, comme une émanation plus mélodique de la techno et de la house., En même temps que la musique trance se développait en Europe, le genre rassemblait également un public dans L’État indien de Goa.La transe est principalement instrumentale, bien que les voix puissent être mélangées: elles sont généralement interprétées par des solistes féminines mezzo-soprano à soprano, souvent sans structure de couplet/refrain traditionnelle. La forme vocale structurée dans la musique trance constitue la base du sous-genre de la transe vocale, qui a été décrit comme « grand, planant et opératique » et « leads féminins éthérés flottant parmi les synthés »., La musique Trance est divisée en un certain nombre de sous-genres, y compris la trance acide, la trance classique, la trance dure, la trance progressive et la trance édifiante., Uplifting trance est également connu comme « anthem trance », « epic trance », « commercial trance », « Stadium trance », ou « euphoric trance », et a été fortement influencé par la musique classique dans les années 1990 et 2000 par des artistes de premier plan tels que Ferry Corsten, Armin Van Buuren, Tiësto, Push, Rank 1 et à l’heure actuelle avec le développement du sous-genre « orchestral uplifting trance » ou « uplifting trance, Ciro visone, soundlift, Arctic Moon, Sergey nevone&Simon o’Shine etc., L’Euro-trance est étroitement liée à la transe édifiante, qui est devenue un terme général pour une grande variété de musique de danse européenne hautement commercialisée. Plusieurs sous-genres sont des croisements avec d’autres grands genres de musique électronique. Par exemple, Tech trance est un mélange de trance et de techno, et Vocal trance « combine des éléments progressifs avec de la musique pop ». Le genre dream trance est né au milieu des années 1990, avec sa popularité alors dirigée par Robert Miles.,

AllMusic déclare à propos de la trance progressive: « l’aile progressive de la foule trance a conduit directement à un son plus commercial et orienté vers les charts, car la trance n’avait jamais connu beaucoup d’action dans les charts. Mettant l’accent sur le son plus doux de L’Eurodance ou de la house (et rappelant parfois plus Jean-Michel Jarre que Basement Jaxx), la transe Progressive est devenue le son des pistes de danse du monde à la fin du Millénaire. Les critiques ont ridiculisé son accent sur les pannes prévisibles et le manque relatif de compétence pour le beat-mix, mais la transe progressive a été bastonnée par le DJ le plus chaud.,

Breakbeat hardcore, jungle, drum and bassemodifier

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Au début des années 1990, un style de musique s’est développé au sein de la scène rave qui avait une identité distincte de la house et de la techno américaines. Cette musique, tout comme le hip-hop avant elle, combinait des rythmes syncopés échantillonnés ou des rythmes break, d’autres échantillons d’un large éventail de genres musicaux différents et, occasionnellement, des échantillons de musique, de dialogues et d’effets de films et de programmes télévisés., Par rapport aux styles précédents de musique de danse tels que la house et la techno, la musique dite « rave » avait tendance à mettre l’accent sur les sons de basse et à utiliser des tempos plus rapides, ou battements par minute (BPM). Ce sous-genre était connu sous le nom de rave « hardcore », mais dès 1991, certaines pistes musicales composées de ces rythmes break À tempo élevé, avec des lignes de basse lourdes et des échantillons de musique jamaïcaine plus ancienne, ont été appelées « jungle techno », un genre influencé par Jack Smooth Et Basement Records, et plus tard juste « jungle », qui est devenu reconnu comme un genre musical distinct populaire dans les raves et sur la radio pirate en Grande-Bretagne., Il est important de noter lors de la discussion de l’histoire de drum & bass qu’avant jungle, la musique rave devenait plus rapide et plus expérimentale.

en 1994, jungle avait commencé à gagner en popularité et les fans de la musique (souvent appelés junglists) sont devenus une partie plus reconnaissable de la sous-culture des jeunes. Le genre s’est développé, incorporant et fusionnant des éléments d’un large éventail de genres musicaux existants, y compris le son raggamuffin, le dancehall, les chants MC, les lignes de basse dub et les percussions breakbeat de plus en plus complexes et fortement éditées., Malgré l’affiliation avec la scène rave alimentée par l’ecstasy, Jungle a également hérité de certaines associations avec la violence et l’activité criminelle, à la fois de la culture des gangs qui avait affecté la scène hip-hop britannique et en conséquence du son souvent agressif ou menaçant de jungle et des thèmes de violence (généralement reflétés dans le choix des échantillons). Cependant, cela s’est développé en tandem avec la réputation souvent positive de la musique dans le cadre de la scène rave plus large et de la culture musicale jamaïcaine basée sur la danse à Londres., En 1995, que ce soit en réaction ou indépendamment de ce schisme culturel, certains producteurs de jungle ont commencé à s’éloigner du style influencé par le ragga et à créer ce qui allait devenir collectivement étiqueté, pour plus de commodité, comme drum and bass.

Dance music in the 21st centuryEdit

DubstepEdit

Dubstep est un genre de musique de danse électronique originaire du Sud de Londres à la fin du XIXe siècle.années 1990., Il est généralement caractérisé par des motifs rythmiques clairsemés et syncopés avec des lignes de basse qui contiennent des fréquences sub-basses proéminentes. Le style a émergé comme une émanation du UK garage, s’appuyant sur une lignée de styles connexes tels que 2-step, dub reggae, jungle, broken beat et grime. Au Royaume-Uni, les origines du genre remontent à la croissance de la scène jamaïcaine sound system party Au début des années 1980.

Les premières versions dubstep remontent à 1998, et étaient généralement présentées comme des faces B de 2-step garage single releases., Ces pistes étaient des remixes plus sombres et expérimentaux avec moins d’accent sur le chant, et ont tenté d’incorporer des éléments de breakbeat et de drum and bass dans 2-step. En 2001, cette musique et d’autres variétés de Dark garage ont commencé à être présentées et promues dans la boîte de nuit londonienne Plastic People, lors de la soirée « Forward » (parfois stylisée en FWD>>), qui a considérablement influencé le développement du dubstep., Le terme « dubstep » en référence à un genre de musique a commencé à être utilisé vers 2002 par des labels tels que Big Apple, Ammunition et Tempa, époque à laquelle les tendances stylistiques utilisées dans la création de ces remixes ont commencé à devenir plus visibles et distinctes de 2-step et grime.

Electro houseEdit

L’Electro house est une forme de musique house caractérisée par une ligne de basse ou une grosse caisse proéminente et un tempo compris entre 125 et 135 battements par minute, généralement 128. Ses origines ont été influencées par l’electro, l’electroclash, l’electropop, la synth-pop et la tech house., Le terme a été utilisé pour décrire la musique de nombreux DJ Top 100 de DJ Mag, y compris Dimitri Vegas & comme Mike, Hardwell, Skrillex et Steve Aoki. Le DJ italien Benny Benassi, avec son titre « Satisfaction » sorti en 2002, est considéré comme le précurseur de l’electro-house qui l’a porté au grand public. Au milieu des années 2000, l’electro-house a connu une augmentation de popularité, avec des succès tels que le remix de Tom Neville de I See Girls du Studio B en 2005 (UK #11). En novembre 2006, les titres electro-house « Put Your Hands Up For Detroit » de Fedde Le Grand et the D., Ramirez remix de « Yeah Yeah » par Bodyrox et Luciana a occupé le numéro un et numéro deux places, respectivement, dans le Top 40 UK Singles charts. Depuis, des producteurs électro-house tels que Feed Me, Knife Party, The M Machine, Porter Robinson, Yasutaka Nakata et Dada Life ont émergé.

Trap music (EDM)

La Trap music (EDM) est issue de la techno, du dub et de la Dutch House, mais aussi du hip hop du Sud à la fin des années 2000 et au début des années 2010., Cette forme de musique trap peut être simplifiée par ces trois caractéristiques: « 1/3 hip hop (tempo et structure de la chanson sont similaires, la plupart des pistes sont généralement entre 70-110 bpm) – avec des voix parfois inclinées, 1/3 dance music – travail de synthé Néerlandais aigu, échantillonnage Hardstyle, ainsi qu’une pléthore de remixes trap de chansons populaires EDM, et 1/3 dub (mise au point basse fréquence et forte accent sur la répétitivité tout au long d’une chanson) »., Certains des artistes qui ont popularisé ce genre, ainsi que plusieurs autres, seraient des producteurs tels que RL Grime avec les titres « Core » et « Scylla » sortis en 2014, Flosstradamus avec leur album « Hdynation Radio » sorti en 2015 et Carnage (DJ) avec son titre « Turn Up » sorti en 2012. La musique Trap dans cette connotation était caractérisée par « des synthés soulful, des 808, la flûte de pan, des pièges pointus et de longues voyelles brouillées au sirop » qui créaient des beats sales et agressifs résultant en « mélodies sombres » Trap est maintenant principalement utilisé comme Remix.